Maria Carolina Baulo

2013-12-12T15:58:00.001-03:00

Lic. en Artes (Universidad de Buenos Aires -Facultad de Filosofía y Letras)
*Art Writer, argentinean, also with studies in Cinematography, Photography and Theatre. CONTACT: macabaulo@hotmail.com

ARTISTS LINKS

2013-12-12T15:16:00.002-03:00

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International Galleries

2013-12-12T15:07:00.002-03:00

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Argentine Galleries

2013-12-12T13:06:00.001-03:00

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MAGAZINES

2013-12-12T13:01:00.003-03:00

http://www.fiberarts.com/default.asp

http://artdistricts.com/

http://www.artnowonline.com/

http://www.sculpture.org/

http://artpulsemagazine.com/

http://www.kunsthart.org/

http://www.adversus.org/

http://www.nextleveluk.com/

http://www.viewcamera.com/

http://www.whitehotmagazine.com/

http://www.natcreole.com/

ThisIsNotAGallery: Juan Miceli

2011-12-30T19:06:00.005-03:00

Sculpture Magazine, January/February 2012

For english version: http://www.sculpture.org/documents/scmag12/janfeb_12/janfeb12_reviews.shtml

Como si fuera un sello personal, el escultor, instalador y performer Juan Miceli, se presenta diciendo “soy mi obra”; sin él, la obra per se no existe. Miceli piensa en proyectos, imagina mundos, trabaja sin esquema previo, organización formal o modelo; la estrategia se plantea a partir de aquello que le inspiran los materiales – huesos de animales, dientes y objetos plásticos de descarte fundidos – cuando los tiene en frente. Es entonces cuando algo a través de los materiales pareciera hablarle y es su intuición la encargada de guiarlo en el desarrollo de todo un mundo habitado por seres fantásticos que no son otros que los propios alter egos del artista. Miceli deja fluir y fluye, se aleja del murmullo ajeno y del propio, se deja seducir y penetrar por lo impredecible de la creatividad y mientras él como hombre renace una y otra vez, su obra se va materializando. “Entiendo el arte como una manera de mirar/ver y fundamentalmente como una práctica; una forma de vida (…) a través de mi producción artística, no puedo evitar cuestionar el mundo que me rodea y la cultura”. Sus esculturas plantean una profunda reflexión sobre la naturaleza misma de los seres humanos, la relación que establecemos con el entorno y la lucha por alejarnos de la increyente tendencia por hacer de nuestro hábitat un mundo-robot. Miceli desafía lo “políticamente correcto” de los mandatos culturales, batallando con un arma tan poderosa como la desclasificación y el poder inherente a la imaginación. Busca invertir el orden natural de las cosas, recupera los desechos y los huesos para inmortalizarlos en esculturas que conforman verdaderas instalaciones y donde les otorga así un nuevo significado que los rescata del olvido y de la muerte. Una suerte de memento mori donde aquello destinado al ostracismo pasa a ser protagonista de una nueva historia.

Con amplia trayectoria en cine, radio y publicidad como director de arte, redactor y vestuarista, es durante el 2010 cuando participa de varias muestras donde logran destacar sus esculturas e instalaciones: Miceli: theverybestia (Wallrod Espacio de Arte), Fuga Lab (Galería Objeto a) y Miceliliveperformance (campaña Unidos por Argentina, Sponsor: Puma, Galería Objeto a). Su próximo trabajo será una instalación Miceli

Brutalia a desarrollarse desde Diciembre 2010 – la cual se extenderá todo el verano 2011- en el Museo “Jardín de las Esculturas”, Secretaría de Medio Ambiente del Gob. de la Ciudad de Buenos Aires.

El talento del multifacético artista argentino, no deja de sorprender por el nivel de compromiso que sustenta su obra, una comunión que ensambla los conceptos con los hechos y el racionalismo con la experiencia empírica: Miceli hace lo que piensa y es lo que hace.

Caravana Gitana: Sofia Rossi Bunge

2011-12-14T09:10:00.000-03:00

(versión en inglés: http://www.sofiarossibunge.com/SRB_site_3/Bio.html)

Dueña de una personalidad enigmática y con una vidamarcada por la búsqueda permanente de nuevas experiencias, Sofía Rossi Bunge despliega todo un universo de obras que logranatrapar la esencia de los espacios y contextos donde fueron concebidas.

Como todo artista que crece en elnúcleo de una familia de coleccionistas y pintores – los Bunge Guerrico y losAlvarez Calderon -, donde el arte cumple un rol fundamental en lo cotidiano, indefectiblementesu producción se ve condicionada por dicho ambiente. Desde niña, siempreacompañada por su cuaderno de dibujos, Sofía tomó por costumbre registrar todoaquello que la rodeaba; todo parecía ser un estímulo y sus actividades serelacionaban con alguna disciplina artística. Y aun cuando se interesó por lamúsica, la pintura fue la que prevaleció. Con el tiempo, muy lejos ya de losdensos años de escuela religiosa, lejos de las obligaciones formales queparecían asfixiar su talento para el dibujo y la pintura, su vida se traslada ala ciudad de Boston en los Estados Unidos, donde decide cursar sus estudiosuniversitarios en el Art Institute of Boston. Egresa de la carrera de BellasArtes, desarrolla tareas para la Dirección de la Universidad y los estudiantesinternacionales, y simultáneamente, toma cursos de fotografía, ilustración,teatro, literatura, danza, música y pintura en el Berklee College of Music, TheHarvard Extension School of Boston, The American Collegeof London, y finalmente en la Escuela de Música Contemporanea. Sin embrago, aun cuandose ha especializado en pintura y cerámica, la pintura fue y es su metiere perono descalifica la posibilidad de incursionar en la escultura en el futuro.Porque para una artista que ha hecho del viajar su principal fuente deexperiencias, el sedentarismo se reemplaza por lo nómade, siendo necesarioadoptar una técnica que se adaptara a dichas circunstancias. Conocedora delmanejo del acrílico, la acuarela con tinta, el marcador sobre papel y lacarbonilla, entre otros, es el oleo sobre tela su gran amor: “el oleo es flexible y creo que eso va con mi personalidad. Me gusta el olor y latextura, lo que se puede conseguir con el oleo no se puede con ninguna otrapintura…”.

Pragmática, concreta, consientede sus necesidades y limitaciones, Sofia elige los medios para expresarse enfunción de un estilo de vida que rompe con cualquier esquema; y sabe que entanto su hogar sea ambulante, su obra deberá acompañar ese movimiento yamoldarse a los permanentes cambios. Cambios que la inspiran y nutren primeroal ser humano y luego a la artista, sin pausa, permanente y constantementeporque no termina de absorber un estímulo como una tabula rasa, que su mente seprepara para recibir el impacto de un nuevo medio; estímulos que la bombardeande información como a todo aquel que se acostumbra a despertar en paisajesdistintos con relativa frecuencia. Y así nacen imágenes con una enorme cuota defantasía, que le permite inventar, desde su imaginario, personajes inexistentesque paradójicamente nos resultan familiares; por alguna razón podemos reconocerlosy hasta reconocernos en ellos.

Muchos son los referentes en su obra: el artelatinoamericano, Guayasamin, Cecilio Guzman, Gil Imana, Juan Battle, Berni,Frida Kalho, Haring, Warhol, Ingres, VanGogh, Picasso, Schiele, Tamara Lempicka; muchos son los nombres y lasinfluencias y la lista se va engrosando simplemente con mirar alrededor yencontrar artistas que la maravillen. Un trabajo que parece no seguirestructura alguna pero que guarda un profundo criterio a la hora deorganizarse; las series parecen ser un descubrimiento bastante nuevo dentro desu producción, una suerte de anclaje para un espíritu que deja liberado alfactor sorpresa gran parte de su existencia. El orden que proporcionan lasseries permite que no se desborde una imaginación sin fronteras. Es asi comolas series van creciendo con el paso del tiempo, imágenes que quedan archivadasen la memoria y a su debido momento salen a la luz. La serie “India” recibe elimpacto del tiempo vivido en Varanasi, la cuidad mas antigua y sagrada de la Indiadonde se respira la solemne presencia de la Antigüedad y el poder de lareligión sobre lo cotidiano, el peso de la tradición y los valores morales quese se entremezclan en lo social de una forma tan diametralmente opuesta almundo occidental, que cuesta asimilar ambos mundos como parte de un todo. Y locurioso y deleitante es ver cómo una artista como Sofía Rossi Bunge, nacida ycriada en el centro de la cultura occidental, elige dejarse influenciar por elBudhismo y el Sahmanismo, se inserta en la cuna del mundo gitano y adopta suestilo de vida como propio, al punto de convertirse ella misma en una eternamigrante. En otras series como “What a wonderfull world for some people”, elénfasis se pone en la injusticia social, tomando una perspectiva que desafía ydenuncia a la vez.

Viajar es su motor, es aquello que la impulsa a lodesconocido, buscando siempre la mirada de la gente, de aquellos que se acercana su arte guiados por la sensibilidad; el “escenario del mundo de la calle”, como ellalo llama. Habiendo exhibido en Buenos Aires, Londres, Boston y pintado muralesen ciudades como Varanasi, la artista alterna entre esos espacios de exposiciónque el mundo del arte legitima y aquel espacio “callejero” que ella elige cuandose apresta a vender sus obras en una plaza o en las cercanías de una bienal dearte contemporáneo; aquel espacio que ella conoce y que la conoce a ella porquees una ciudadana del mundo.

Por alguna razón elegimos determinados caminos sinsaber porqué lo hacemos. Para Sofía, el pintar se traduce en su estado anímico,es una necesidad vital que no logra, ni interesa que lo haga, poner enpalabras. Todo lo que puede decir, y lo que no puede, se lee en sus obras: sonclaras, estéticamente bellas y formalmente impecables. Nos hablan de unaartista que no abandona a la niña aun cuando es la mujer quien cuenta lahistoria y traduce en colores lo que ve a su alrededor. Una factura que se nospresenta agradable a la vista y aun así muchos de los carismáticos y atractivospersonajes guardan una pregunta en sus miradas que nos interpela mirándonos,por lo general, directamente a los ojos. Una pregunta que cada uno deberádescubrir y eventualmente tratar de responder.

La obra de Sofía es el producto del encuentro de laspasiones inconscientes, de una necesidad de conocer e indagar en el adentro yen el afuera, la pulsión casi obsesiva por comunicarse a través de la pintura yun profundo amor por el otro; los otros. Esos tantos y miles de otros que pasanpor su vida, la acarician, ella se deja acariciar y los inmortaliza en susobras…y luego los abandona, aunque llevándolos siempre en su memoria, para seguir la caravana gitana hacia nuevastierras.

Sofía Rossi Bunge es Argentina, nacida en laciudad de Buenos Aires en 1976. Actualmente reside en la ciudad de Berna,Suiza.

María Carolina Baulo

Pablo Cabado-Four Photographs

2011-12-09T13:00:00.005-03:00

VIEW CAMERA, December 2011 Issue

http://www.viewcamera.com/

By María Carolina Baulo

Pablo Cabado, Guggenheim Fellowship recipient in 2002, was born in Buenos Aires, Argentina in 1963. At seventeen he moved with his family to Mexico City and at the age of twenty he started studying photography. Once a professional, in 1989 he wins the award Young Photographer of the Year, International Center of Photography (New York, USA). Between 1990 and 1997 he works in a special project related with Cuba, a country he will constantly visit and actually live in La Habana for some time. During 1992 he lives in France for a short period of time. His work has been exhibited in the U.S., France, Italy, The Netherlands, Cuba, Mexico and Argentina among others.

Pablo Cabado belongs to a generation of artists where the production of images wasn´t as simple as it could be today with the new digital technologies that immediately assist us in an insuperable way. His work relates more with the technical procedures and the delicate work at the lab, revealing the images and making the copies. Large format is his personal choice because he focuses in reproducing reality in the most reliable way; becoming an authentic medium communicating what´s happening around and avoiding any unnecessary interference with the purity of the image. Searching for that minimum of manipulation, the artist chooses not to exaggerate while using tools such as Photoshop or any digital corrections he could easily display with a computer. It is crystal clear that any photographer, when choosing the image to photograph, is editing in his mind and making a selection, but here the artist specifically tries not to complete his work producing the final images as a digital collage which erases the power of that images the camera captured originally. Large format film is the right choice for this purpose, especially 4”x5” and 8x10 inches because they produce a final copy of extreme quality. The 20x25cm negatives are also important because they contribute to freeze that piece of reality as less manipulated as possible. The artist is also keen of the large viewer which allows the composition of the image to be more precise and well studied; it also allows working with the subtle details to obtain an exquisite final product. Nevertheless, he is deeply versed in digital photography and highlights the difficulties of choosing a large format camera in terms of costs, long periods of exposition and composition as well as the revealing process. Still, in his own words, “digital photography can never be compared with the plate”.

Pablo Cabado is interested in visiting strange, mysterious places and that is something related with his craft because photography always guided him through unexplored roads. That is how he discovers amazing things which seemed to be easy for anyone to see but in fact they are hidden. Since 2006, the artist develops a project he is still working on, taking pictures mainly in the Province de Buenos Aires. Generally buildings and public places such as the Olympic swimming pool in the Sarmiento´s Park; the Trelew airport - scenario of the massacre of Trelew, one of the most dramatic situations that took place in that city during the last military government in Argentina-; the Italpark rollercoaster in Mar del Plata, an old YPF gas station and images of the pathetic Caseros jail, just to mention a few. Places which refer to a local argentinean story that the artist wants to immortalize with “a certain melancholy of my own…”

An interesting way to understand his working procedure is looking at the serie of photographs taken at an abandon Park in Mar del Plata, theme of his latest artist book. Pablo Cabado works alone: he takes his car and starts searching for places he could fall in love with and sometimes it happens, like with this serie, that trying to find a rollercoaster for his pictures, someone sent him to this old, lost in time park. While talking with the keeper and showing interest in that mysterious world and the people living in it, the artist gained their confidence and started visiting them on regular basis for almost two years. The most important characteristic of his work is the role played by human relationships because the image is clear from that fraternal bond between the actors. That is one of the reasons why he travels alone with the company of his equipment, connected with his essence and trying not to invade other people’s lives but on the contrary, trying to establish certain empathy which allows him to approach them in their daily activities and capture those images. Unthinkable universes, anecdotes which don’t show at first sight become the soul of his photographs; surprising stories found in the most unexpected places create the perfect context for his art to emerge. The experience of travelling and living in different countries and different cultures nurtured and influenced his working techniques. And that importance of that connection he creates between people, shows even when there´s no human presence in some pictures; we can feel that presence because every element of that scene photographed exists because of the people who inhabits it every day.

Pablo Cabado works with complete series and always tell us a story: “I have an idea or find a place where I´m interested in working at, and I start visiting that place and producing; that would be the initial sequence”. But that isn´t enough, we should add his profound knowledge of the technique and especially light. The type of light he uses becomes the absolute fundament to start working on the images; then he lets it flow and see what comes out of the experience. He has many and very interesting series he worked on along his career. He exhibited his photographs in several individual and collective shows, International Museums (ICP - International Center of Photography, New York, US; Museum of Modern Art, Mexico City; Mamba - Museum of Modern Art, Buenos Aires, Argentina; Fototeca Cuba, La Havana, Cuba; Centro Cultural Santo Domingo, Mexico City; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, US, among others) and important private galleries between 1990-2011. He also received the Mother Jones Award (US, 1990), the Scholarship for the Artistic Creativity by Antorchas Foundation (Argentina, 1994); Scholarship by the National Arts Fund (Argentina, 1999), Grand Honor Award, Visual Arts National Salon (Argentina, 2000) and the abovementioned John Simon Guggenheim Fellowship (US, 2002).

Pablo Cabado has no interest in loosing energy thinking about the future, he never speculates with the art sales possibilities or the exhibitions where his series might be presented. With low profile and an attitude that permanently searches for challenges and surprises, the artist thinks in terms of quality and how to capture the results of his work in the production of the artist´s book, a crucial and fundamental goal these days; he already published two books: 37°57’35”S 57°34’49”W and Laminares.

The artists lives and works in Buenos Aires, Argentina. Here we have four images of that impeccable work of art.

LA SUSPENSION-Juan Miceli

2011-10-25T17:01:00.002-03:00

ThisIsNotAGallery - 3 de Noviembre, 19:30hs
Curaduría: María Carolina Baulo

http://www.youtube.com/user/lasuspension#p/a/u/1/gOknWj4KJbQ

Un recurso central en la obra de Juan Miceli es la fuente de constante inspiración que encuentra en el océano. Hasta allí se puede rastrear el génesis que fundamenta sus elecciones: un espacio donde el artista juega, imagina, construye y descubre, ya desde niño, otros mundos primitivos, originarios y anteriores, los cuales lo trascienden aun cuando él elige hacerlos propios. En ese “océano personal”, se gestan sus seres amorfos de apariencia amenazante, los cuales representando todo aquello que desconocemos se nos presentan, lógicamente, tan atractivos como aterradores.

Con amplia trayectoria en cine, radio y publicidad como director de arte, redactor y vestuarista, es durante el 2010 cuando participa de varias muestras donde logran destacar sus esculturas e instalaciones: Miceli: theverybestia (Wallrod Espacio de Arte), Fuga Lab (Galería Objeto a) y Miceliliveperformance (campaña Unidos por Argentina, Sponsor: Puma, Galería Objeto a). Su próximo trabajo será una instalación Miceli Brutalia a desarrollarse desde Diciembre 2010 – la cual se extenderá todo el verano 2011- en el Museo “Jardín de las Esculturas”, Secretaría de Medio Ambiente del Gob. de la Ciudad de Buenos Aires.

El talento del multifacético artista argentino, no deja de sorprender por el nivel de compromiso que sustenta su obra, una comunión que ensambla los conceptos con los hechos y el racionalismo con la experiencia empírica: Miceli hace lo que piensa y es lo que hace.

Lic. Maria Carolina Baulo

*Reseña próximamente publicada en Sculpture Magazine, International Sculpture Center, Washington DC. U.S

MARTORELL ART+PEOPLE

2011-08-04T15:31:00.003-03:00

Wine, Tango & Art
Lic. María Carolina Baulo
Curadora de la Muestra

Y brindemos, nomás, la última copa,
que tal vez también ella ahora estará
ofreciendo en algún brindis su boca
y otra boca feliz la besará.
Eche, amigo, nomás, écheme y llene
hasta el borde la copa de champán,
que mi vida se ha ido tras de aquella
que no supo mi amor nunca apreciar.
La última copa, Francisco Canaro-Juan Andrés Caruso

La obra de Jorge Martorell me resulta familiar; hay algo de mí que se refleja en una primera mirada sin filtro, algo que hace que la sienta íntima. Cuando la mirada entrenada toma la posta, empiezo a descubrir que ese “algo” tiene que ver con mi historia y mis gustos, con el tango, la nostalgia, la supremacía de la sensibilidad, el baile, las pasiones, el contacto con el otro, la pintura, el arte. No tanto el vino, y eso la hace mucho más interesante porque empiezo a reconocer en ese vino, otro de los tantos poderes que se le atribuyen; en este caso el vino es plausible de ser manipulado para pintar. Entonces mi atención queda atrapada por completo porque no sólo me encuentro con una obra que me habla en un lenguaje que conozco y entiendo desde el corazón sino que me presenta la posibilidad de experimentar en un terreno que activa el factor sorpresa, hoy por hoy muchas veces adormecido. No quiero destacar una vez más la técnica utilizada por el artista, los procesos creativos o redactar casi de memoria una trayectoria abultada – que la tiene-, quiero escribir un texto que hable de aquello que pasa frente a la obra más allá de los análisis posteriores.

El arte contemporáneo pareciera caminar de la mano de la inmediatez y donde los tiempos se aceleran buscando muchas veces una legitimación que catapulte a los artistas y sus obras como verdaderos ejemplos de aquello que se espera sea una obra contemporánea. Los recursos para lograrlo no siempre se vinculan con largos procesos de estudio, trabajo, ensayo y error, comunión con los materiales y las técnicas, profundo conocimiento del oficio y la rigurosidad que lo compromete, pero no por eso han dejado de ser obras que actualmente tienen un espacio de expresión habilitado y reconocido. En su larga historia, el arte ha presentado y representado mitos, historias y personajes, ha narrado en imágenes desde una “aparente” neutralidad, otras veces ha tomado posición política y religiosa, se ha presentado como un arma de lucha y de poder portador de un discurso universal y también nos habló y nos habla de los miles de mundos privados, individuales, caóticos y sublimes de los artistas que se ven muchas veces trascendidos por sus propias creaciones.

El trabajo de Jorge Martorell nos abre las puertas de un espacio que combina el poder de los colores terrosos obtenidos a partir de la manipulación de las distintas cepas de vino y del champagne, con la delicadeza de una línea con fuerte impronta, estudiada por décadas de formación y que se hace presente aun en la más absoluta abstracción de alguna de sus obras. Obras que pasan de un vago registro figurativo a la presencia de la abstracción geométrica, luego una visita homenaje por el expresionismo abstracto y sus maestros, para regresar a los espacios oníricos e indefinidos donde se suspende una figura que se sostiene por la propia fuerza de su presencia sin ninguna referencia espacio-temporal. Palabras, copas, sillas, mesas, hombres, zapatos – y mujeres ausentes-, son algunos de los elementos reconocibles en un mundo que pareciera arrancarlos de su entorno y dejarlos al desnudo expuestos para ser vistos en la plenitud de su soledad.

Me enriquece cuando encuentro en un artista la capacidad de transgredir hasta innovar en el empleo de los materiales, artistas que se animan a buscar un camino alternativo pero basados en la solidez que aporta el conocimiento. Jorge es dueño de una factura sutil, elegante que nos permite imaginar ese universo de café y milongas, soledades y desencuentros y hacerlos propios. Un concepto, una idea clara acompaña cada una de las obras y tiene algo para decir… pero no siempre es necesario escucharlo porque el espectador construye su propio relato. Porque como en el arte, en el tango – ¡que vaya si es un arte!- las relaciones son siempre de a dos: la obra necesita del otro para completarse y en el mundo de los pitucos, lamidos y shushetas, por presencia o por ausencia, ese otro siempre está en forma física o como un recuerdo, en un deseo, vivo, muerto, perdido o abandonado, ese otro siempre completa con su vacío o su cuerpo, la pareja de baile.

La obra de Jorge Martorell atrae visualmente y seduce intelectualmente; suficientes motivos para considerarlo un gran artista.

MCB

Fundación Juanito-Proyecto "DAR UNA MANO"

2011-06-05T15:40:00.004-03:00

Fundación Juanito http://www.manoparajuanito.blogspot.com/

Comité de selección de artistas, fotógrafos y texto de catálogo: María Carolina Baulo

Si cualquiera de nosotros iniciara una investigación sobre la iconografía que representó y representa un acto solidario, en la mayoría de los casos nos encontraríamos con la imagen de al menos dos manos interactuando. Manos abiertas que esperan recibir, manos que se cierran unas sobre otras en franca comunión; las manos parecieran ser uno de los bienes más representativos de la personalidad de una persona, tanto como su mirada o el tono de su voz. Las manos nos delatan la edad, muchas veces la profesión, las manos seducen, acarician, otras veces lastiman pero por lo general nos ayudan y nos permiten ayudar.

“Dar una mano” es claramente una frase hecha instaurada en todas las culturas, el sentido de preservación del hombre hace que sea un acto cuasi reflejo el ayudar al otro, siempre que de buenas intenciones estemos hablando. Y este proyecto que vincula al arte con una Fundación que protege la integridad de los niños, se vale de buenas intenciones. Sin embargo las buenas intenciones no siempre bastan y se tiene que dar paso a los actos concretos; así es como artistas de distintas generaciones, representativos de estéticas y visiones del mundo absolutamente diferentes, pensamientos antagónicos y carreras con trayectorias muy disimiles, se vinculan, aun sin conocerse muchos de ellos, para formar una red de manos solidarias que parten de objetos desnudos hasta transformarlos en más de 50 obras de arte donde el objeto se pierde en la poética que a cada uno inspira. La obras trascienden al objeto, aparece la “pincelada del artista” de la cual tanto hablaba Henri Matisse y su carácter cobra absoluta presencia; aun así, la mano como símbolo y emblema de la voluntad de ayudar, se mantiene presente.
La vida sin arte sería, a mi modesto parecer, insoportable y quizás imposible…no concibo un mundo sin creatividad porque la creatividad es inherente al ser humano. Y si además, el arte no solo cumple un rol estético sino a su vez cuestionador, contestatario y por otro lado un rol ecuménico, integrador, solidario, poniendo en juego un lenguaje que excede las palabras y apela a un entendimiento que no siempre es del orden de la razón, entonces realmente puedo confirmar tal pensamiento.

Me siento agradecida por la posibilidad de aportar mi trabajo para que un proyecto de esta envergadura salga adelante, orgullosa por la convocatoria de artistas que no dudaron un segundo en sumarse a una propuesta que los comprometería en el diálogo con una consigna y un objeto previamente determinados pero con la absoluta libertad de criterio para contar a través de ese objeto, su propia historia. Artistas muchos de ellos acostumbrados a participar con entusiasmo en este tipo de acciones, pero muchos otros que se enfrentan por primera vez a una experiencia de tamaña exposición. Agradezco entonces a todos los que han trabajado duro y comprometido su tiempo y su amor –dos de los bienes más preciados que tenemos-para pensar en el otro y actuar en consecuencia de ello.

Una vez más, el arte construye puentes entre las diferencias, un gesto solidario per se.

Lic. María Carolina Baulo

HERNAN DOMPE: El Instant / La última Mirada, Buenos Aires, CCR

2011-05-31T14:16:00.005-03:00

First Published, June 2011
Sculpture Magazine
http://www.sculpture.org/
By Maria Carolina Baulo

(Click on the image for english version)

Hay artistas cuya obra nos impacta desde lo visual, desde lo conceptual o como sucede con Hernán Dompé, desde ambos frentes. Durante los meses de Junio-Julio de 2010 en el Centro Cultural Recoleta se presentaron dos muestras en simultáneo que interactuaron complementándose de una forma tan particular que si bien permitían que se entendiera la una sin la otra, si se analizaban en conjunto todo pasaba a cobrar otra magnitud.

La última Mirada nos plantea una serie de enormes esculturas, algunas mayores a 2m de altura, trabajadas con relieves en cartón y papel y cuya producción inicial comienza a raíz de una experiencia trágica donde Dompé pierde a su hija de 25 años en Marzo de 1999. El dolor hace que muchos meses después el artista logre comenzar a trabajar estos relieves, inspirados por esa última mirada sobre el cuerpo ya sin vida de su hija. Pero si bien la serie no era la propuesta inicial, con el paso del tiempo se convirtió en un grupo homogéneo de obras que aun hoy sigue creciendo, buscando liberar algo que aun pareciera permanecer oculto pero latente. Estructuras bellas y solemnes pero que al ser observadas detenidamente, se descubre en ellas un relato de sufrimiento, amor y la presencia del tributo a través de los años. Muestra que se comunica con El instante, donde un grupo magno de guerreros pareciera hacer frente al espectador que intenta penetrar en el corazón de su espacio. Delgados personajes a escala humana, algunos superando la estatura media de un hombre, se hacen presentes con sus accesorios de guerra, como defendiéndose de un mundo hostil. Ubicados estratégicamente, como todo buen guerrero, se dispersan en la sala formando una instalación, la cual se completa con un video con dibujos coloreados por el artista; el marco de la escena se convierte en un amanecer radiante. El instante refiere entonces a ese momento que antecede a la acción, el instante que puede ser efímero o eterno acorde al imaginario de cada uno. Para quien conoce su obra, Dompé ya nos había familiarizado con los guerreros en otras oportunidades aludiendo al ataque a las Twin Towers o a las guerras encarnizadas propias de la humanidad. En esta oportunidad se entronca con lo primitivo y especialmente, con el tema de la colonización en América. Lo primitivo, lo precario, la naturaleza, lo originario, todo ello cumple un rol fundamental en su obra y en su estilo de vida. Sus guerreros no son violentos ni despiertan temor o generan distancia. Sí provocan respeto y portan un mensaje relacionado con el lugar que cada uno ocupa o debería ocupar. Con la toma de conciencia de las responsabilidades y las batallas personales, nuestros propios infiernos y demonios que debemos combatir para ser seres mejores, libres y enriquecer al resto. Guerreros que nos miran fijo a los ojos y tratan de pasarnos un mensaje que hace que ese instante de reflexión se convierta en un instante de decisión, de acción y compromiso. Como cuando Dompé decidió convertir todo ese dolor por la muerte de Maria Mora en puro fuego creativo. Entonces los guerreros nos interpelan para que nos hagamos cargo de nuestra propia lucha interna y le demos ese giro de tuerca. Y seguir adelante. Recuerdo cuando le pregunté cómo se relacionaban ambas series y su respuesta fue “Los guerreros me ayudan a que pueda hacer y soportar todo esto (por La ultima mirada)”.

Nacido en Buenos Aires en 1946, este Profesor Nacional de Escultura vive en Capilla del Monte en Córdoba; cuenta con más de 10 premios internacionales en escultura, exposiciones individuales en USA, Argentina, Panamá, México, Chile, Brasil, Italia, Cuba y participó en varias ferias internacionales tales como ARCO, arteBA, Art Miami, Arteamericas, FIAC, Art Chicago.

La última mirada, fotos: Gabriel Reig
El instante, fotos: Gustavo Sosa Pinilla

Ego x Geo - Eduardo Capilla - DOTFIFTYONE Gallery, Miami

2011-03-23T23:48:00.003-03:00

(...) Eduardo Capilla purpose is to get rid of individualism and focus in integration instead. The artist pursues equilibrium in the cohabitation of the different parts and elements of the world, always respecting nature’s supremacy. He disposes the bodies containing, supporting and holding delicate floral arrangements that symbolize the universe and its magnitude; he establishes a dialogue, some kind of communication with that ideal he constantly keeps in mind while he organizes those wonderful scenarios (...)

(...) EGO X GEO presents the combination of the flower’s and the woman’s symbolism -lei motif of occidental art-, where sexuality, in both cases, is exposed to be admire; its seduction is so powerful that captures and fascinates the spectator. The artist, a man enchanted by that power, chooses to combine those perspectives seeking for an aesthetic result in the way he distributes the formal elements as well as the postures of the bodies; but there is no tension or forced movements, everything seems to flow, there’s absolute harmony. The woman is the continent, she symbolically and concretely contains not only her own life and charm, but the one represented and presented in the elegant dance between flowers and females, where the combination of both becomes an “object of desire” that seduces universally.

EGO X GEO presents Mother Nature, absolutely stripped of any kind of trick, showing its magnificence and splendor.

Maria Carolina Baulo

DÍPTICO-Néstor Crovetto

2011-02-27T14:56:00.002-03:00

Galería THAMES

http://www.galeriathames.com.ar/

10 de Marzo-29 de Marzo, 2011

Néstor Crovetto vive desde siempre un intenso romance con la cámara; busca, experimenta, crea, se cuestiona y permanentemente hace referencia a tener muchas preguntas y pocas respuestas.

La cuestión del arte y a qué llamamos arte son algunos de los disparadores centrales de esta serie donde el artista hace dialogar imágenes que a simple vista parecieran no tener conexión alguna y donde se pone a prueba al espectador para sumergirse en un mundo de coincidencias y asociaciones que aparecen, increíblemente, a los pocos segundos de ver las obras. Pruebas, ensayos, un “permitirse jugar” con los contrastes, colores, texturas, matices; trabajos que nos interpelan, no nos ofrecen una imagen concreta sino que la afinidad – o no – entre las dos partes que conforman la obra, necesitan de la participación intelectual de quien las mira porque exceden su propia representación individual. El todo es más que la suma de las partes. Aquello que choca inicialmente fluye con el paso de los minutos y la observancia permanente, el tamaño de las impresiones y su formato panorámico impactan en la percepción que se tiene del conjunto donde se destaca la unidad aun cuando claramente son dos imágenes las que interactúan en la obra y donde presencia de una justifica la existencia de la otra.

Excelente precisión técnica, conocimiento de los materiales y herramientas de trabajo, la cámara de fotos se convierte en una aliada, una extensión de sus brazos y su mente a la hora de capturar y posteriormente montar imágenes que son, no simplemente bellas estéticamente, sino donde se puede leer en cada una un intenso trabajo, atención y cuidado hasta el menor detalle para cumplir la función de invitarnos a participar de una fantasía pensada por el artista y que al apropiarla, pasa a ser nuestra…en sus propias palabras: “La fotografía tiene una irreductible y perversa relación con lo real: finge, nos engaña y miente haciéndonos creer su verdad, un make believe, y por eso la elijo. Porque deja espacio para jugar entre lo que vi, lo que creen que vi y lo que ven”

Lic. María Carolina Baulo

Territorios Humanos-Muestra de Fotografía

2011-02-01T15:09:00.003-03:00

DACILART ART GALLERY

Febrero 9 - Marzo 9, 2011
http://www.dacilart.com/
Curaduría: M.Carolina Baulo

Los espacios que nos rodean son aquellos que conformamos al ir interactuando; son múltiples, cambiantes, particulares y se adaptan a las necesidades y estados de ánimo de las personas. Espacios que nos alberguen y muchas veces, sin quererlo o sin saberlo, los afectamos y distorsionamos con nuestra sola presencia…o ausencia.
La obra de Sebastián Varin evidencia la naturaleza en su aparente estado inmutable, ajeno a la mano del hombre. Sin embargo es el hombre quien la captura en imágenes y se interpone en su microcosmos alterando su flujo vital.
La propuesta de Javier Mazzeo se vincula con los espacios que representan lo que alguna vez fue y hoy solamente guarda vestigios, aquello del orden de la imaginación, ciudades casi fantasmales habitadas por seres que parecen no saber que ellos son parte de ese letargo fantástico.
Rita Simoni relaciona su trabajo con lo que dejamos a nuestro paso, los despojos, los espacios residuales que denotan el paso del hombre y resaltan su huella; conservan la experiencia vivida pero ya no esperan ni anhelan un retorno.
La idea que vincula a estos tres artistas que manejan la fotografía intervenida (con pintura y técnicas digitales), es mostrar un abanico de lugares comunes de encuentro, de territorios netamente humanos aun sin que estemos físicamente en ellos. Porque necesitamos de todos ellos para no quedar atrapados en los recuerdos, perdidos en los sueños o detenidos en el tiempo. Los territorios humanos se construyen y deconstruyen con el movimiento propio de la vida y la fotografía logra retenerlos para la eternidad en un instante.

M.C.Baulo

La Supremacía del Color-Claudia Vivero

2010-11-28T11:02:00.002-03:00

Muestra individual, Hotel Bel Air (Arenales 1462-Recoleta)

Gallery Nights 26 Nov 2010-Febrero 2011

Curaduría: Arte Pleno

Obras grandes y pequeñas, circulares, rectangulares y cuadrados perfectos, series que crecen paulatinamente, sin pausa y con un factor común que las enlaza descubriendo una estética particular y característica de Claudia Vivero: el color.

La obra de Claudia Vivero se construye sobre una base de combinaciones y contrastes plásticos de gran intensidad, explosión de colores, armonía y un ritmo impecable. El color cobra protagonismo porque invade todos los sentidos del espectador, una suerte de collage pero utilizando solamente la pintura como medio expresivo.

Lo abstracto, por definición, invita a las lecturas subjetivas mucho más que aquello que nos da un relato armado y donde encontrar la mirada personal más allá de lo que se ve en la obra, se torna complicado. Frente a las obras de Claudia Vivero descubrimos un baile sincrónico que guarda una celosa relación entre las figuras, formas y los colores pregnantes. Pero al acercarnos y mirar con detenida atención, la estructura de las obras no respeta la rigurosidad geométrica calculada al milímetro digna del neoplasticismo, sino que pareciera ser un diseño de las líneas multicolores, realizadas a mano alzada, descubriendo el trazo y la presencia del artista en cada pincelada…una suerte de expresionismo encubierto.

Lic. Maria Carolina Baulo

Reseña Cuadernos de Fotografía

2010-11-16T15:42:00.006-03:00

Jimena Passadore
Flanbé Ediciones
http://www.flanbe.com.ar/

Hembra, J.Passadore

La obra de Jimena Passadore es joven aun cuando el trabajo que rodea su producción tiene casi tantos años como la artista. Exquisita dibujante desde chica, logra canalizar su creatividad convirtiéndose en Diseñadora Gráfica y docente de la Universidad de Buenos Aires y paralelamente, desarrollando una intensa búsqueda donde el “ensayo y error” guían su experiencia en el campo de la fotografía. Desde hace años ya, tomar fotos ha dejado de ser una tarea pendiente para ser una realidad, una forma de comprender, ver y construir el mundo que la rodea a través de una cámara. Una cámara que se incorpora a su vida como fuente de registro permanente de su cotidianeidad. Así nacen los Libros de Artista, modalidad noble y autorreferencial que Jimena Passadore utiliza para “tomar nota” de todo aquello que elige conservar y aprehender. Con Retratos de Leipzig da el puntapié inicial en 2006, donde el hilo conductor está determinado por la presencia de extranjeros estudiando en Alemania – siendo ella misma parte de ese grupo autoexiliado por motivos diversos-. Las fotos actúan como testimonio, relatan las búsquedas de cada personaje y se presentan en diálogo con los comentarios, de puño y letra de los propios retratados, puestos en un post it. Gente, personas que compartían el aquí y ahora con la artista y ella decide inmortalizar en un libro de autor.

Bitácora en cambio, expande sus redes en el tiempo. Compaginando experiencias diversas entre 2006 y 2010, el libro se presenta en constante crecimiento, como dice Jimena. Las situaciones ya no marcan un aquí y ahora definitivo en el tiempo sino varios aquí y ahora a lo largo del tiempo. Más que nunca la cámara cobra importancia cuando combina imágenes de viajes, retratos, amigos, familia, autorretratos, paisajes, animales…Un amplio espectro que nos habla de simultaneidades y el registro que en cada uno de esos momentos ella tiene de su entorno. Por eso Bitácora hace honor a esos cuadernos de trabajo – y no casualmente muy usados por los diseñadores- donde se apunta información que puede parecer inútil en el momento, pero donde algo se intuye y se busca preservarla como valiosa para el acudir a ella en el futuro. Así es como Jimena Passadore organiza su Cuaderno de Fotografías, su pequeño álbum con grandes historias que irá cambiando acorde a quien lo lea, porque ciertamente las lecturas siempre son múltiples e infinitas.

Los proyectos en carpeta son muchos y bajo este formato, el Libro de Artista, Jimena se plantea continuar su búsqueda…una suerte de anotador en imágenes con un orden lógico dado por quien lo “escribe”. Y confío en que cada propuesta motive y despierte otras con la intensión de jugar con las técnicas formales combinando lo digital, el soporte fílmico, el blanco y negro, el color, el fotomontaje y todo lo que empieza a aparecer interactuando en estos libros, como verdaderos disparadores de nuevos recorridos y nuevas miradas eternizadas en sus cuadernos de ruta.

Todo en arte es personal, la objetividad del sujeto es casi contradictoria por definición. Y basta con mirar una foto como Hembra, enfrentada a la “objetividad” de un espejo que nos devuelve el reflejo de la artista en un doble acto tan íntimo y privado como es tomar una fotografía y a su vez tomarse ella misma una fotografía donde nos presenta a León, a quien se le dedica el libro. Hasta aquí una historia que seguramente necesitará de muchos otros “apuntes” a medida que Jimena siga creciendo como mujer y como artista, experimentando, cuestionando, viviendo.

Lic. María Carolina Baulo

Siestas Paraguayas con Sueños Chinos - Dany Barreto

2010-10-31T01:06:00.003-03:00

“(…) y fui preso de un estado cuasi alucinógeno,
en medio de una de las famosas Siestas Paraguayas-
que me llevaron a viajar hasta aquel lugar-,
donde la revelación del tesoro se hizo presente
claramente en mi, como un mensaje divino.”
Henry Walton Jones Jr.
Antropólogo y Profesor, Universidad de Barnett y Marshall College

Siestas Paraguayas con Sueños Chinos
Por María Carolina Baulo
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La vigilia nos mantiene alertas y el sueño nos sumerge en lugares donde la barrera de la represión pierde parte de su fuerza; las siestas -en especial las de verano donde el clima nos incita a desnudar los cuerpos- invitan a participar de una suerte de trance, de ensoñación mágica…ni tan dormidos ni tan despiertos, donde la fantasía despliega todo su poder de seducción. Espacios que se dan en todas partes del mundo, lugares que se transforman en puntos de encuentro y que captaron la atención del artista desde que tiene memoria. Allí, en medio de esas siestas báquicas, se construyen sueños eróticos, que muchas veces se corporizan y convierten en realidad entre los visitantes que frecuentan esos bosques.

Una obra donde la idea de “lo paraguayo” se define como uno de los ejes fundamentales; Barreto padre- paraguayo él- sembró la inquietud en Dany, con jugosos relatos sobre las leyendas de los tesoros enterrados debajo de los árboles… relatos que dispararon verdaderas travesías de buscadores de fortunas, viajes de reconocimiento del suelo, pero también el interés de especialistas involucrados en la silenciosa y perspicaz tarea de la búsqueda, dedicando años a su estudio. Sumado a los datos arrojados de la experiencia – cual libro de apuntes de Alexander Von Humboldt- los hechos nos indican que la Guerra de la Triple Alianza dejo un tendal de tesoros ocultos- por acción de sus propios dueños- por temor a los saqueos… invaluables reliquias de familia. Con el paso del tiempo, el boca en boca hizo que se poblaran esas tierras de fanáticos y científicos, pero lo fenoménico siempre siguió de cerca el accionar de la ciencia y los oportunistas porque las leyendas han demostrado que la naturaleza habla y se expresa en forma contundente: cuando se está cerca de sacar a la luz uno de sus preciosos bienes - que a esta altura la tierra ya cobija como propios- suceden cosas inesperadas como árboles que se prenden en llamas, gases tóxicos emanados por el oro puro enterrado, los colores del cielo que cambian y alteran su densidad, la luna llena, los vientos calientes; los locatarios hablan de experiencias sobrenaturales que no hacen más que alimentar el deseo y el misterio….

Las Siestas Paraguayas describen todo un mundo que existe justo en el límite entre lo real y lo artificial: la supremacía de los verdes, celestes y azules, cobran la forma de una naturaleza viva y brillante que nos hace participar de espacios íntimos donde prevalece la atracción por aquello que nos provoca incertidumbre. Un rasgo particular será la presencia del acto devocional, el agradecimiento propio de la ofrenda, combinado con las experiencias del artista, aquellas que desde chico viene registrando sistemáticamente como situaciones placenteras ligadas a la naturaleza, el descanso, el sonido de lo salvaje, los espacios semi-secretos, la tentación por lo desconocido, el placer, el sexo, lo prohibido. Espacios salvajes pero también urbanos, recovecos con plantas, pájaros, cantos y sonidos de la naturaleza, nos llevan a un mundo donde los tesoros escondidos no son lo único factible de encontrar entre la mata densa y misteriosa…lo oscuro y lo maligno también se presentan como alternativa…Un juego de postas que se hace más oscuro a medida que avanzamos y cuanto más nos sumergimos en él, el deseo opaca el temor y nos hace querer ver más… y más…

Thisisnotagallery es el espacio ideal para representar un monte laberíntico que sumerja al espectador en una experiencia renovadora que combine toda esa urbe de estímulos propios de las Siestas Paraguayas, la búsqueda de los tesoros y el arte. La interacción entre objetos de aparente falta de conexión entre ellos, oculta un significado que habrá que buscar, como los tesoros paraguayos, más allá de las palabras; una gran instalación con cuadros peludos, el protagonismo de lo audiovisual (música, sonidos ambiente, video), objetos de marcada extrañeza, esculturas y el rol activo de quienes completan la obra con su presencia. Una relación que se construye a partir de un lenguaje del cual Barreto se apropia, reformula y hace propio, dando al conjunto la armonía estética necesaria para reconocer su presencia en la totalidad de la obra y en sus partes.

Curadora de la Muestra

Dolores Casares: Pasado-Presente

2010-09-29T14:24:00.005-03:00

Centro Cultural Recoleta
Sala 11 – 20 de Octubre al 15 de noviembre, 2009.
Sculpture Magazine, Octubre 2010

http://www.sculpture.org/documents/scmag10/oct_10/oct10.shtml

(Click on image-English version)

Dolores Casares se dedica a la creación artística y a la docencia desde hace más de 20 años, además de coordinar espacios de arte y dar clínicas y curadurías de obra. Con decenas de exposiciones en prestigiosos espacios como el Museo Nacional de Bellas Artes de La Plata, Centro Cultural San Martín, Centro Cultural Recoleta, Fundación Standard Bank, Pasaje 17, Salón Nacional de Pintura (Palais de Glace), Consulado Argentino en Nueva York, Arteamérica (Miami, EEUU) y Feria Interamericana de Arte (Caracas, Venezuela) y con distinciones en diversos salones, la artista aborda su trabajo con la escultura desde una perspectiva que permite relacionar la pieza solida con la presencia de la trama y el entretejido propio del arte textil. Pero su obra no se agota allí sino que se vincula con el arte óptico y el arte cinético.

Como antecedente al trabajo que presentara el pasado Noviembre de 2009 en el Centro Cultural Recoleta, hacia 2003 encontramos obras donde aparece el trabajo con la trama: el cuerpo sobre la trama. Y a en el 2007 incorpora los bordados, las agujas y los plásticos transparentes, todo vinculado al registro o huella de su historia familiar, alusiones a las parcas hilanderas. Su obra actual nace del germen de lo intelectual desde donde fluye la racionalidad necesaria para organizar los datos de la experiencia sensible y práctica ganada con los años. Placas de acrílico atravesadas por agujas, tanzas dentro de esferas, cubos acrílicos sutilmente iluminados y en movimiento. Las estructuras crean un espacio, una forma de concebir el mundo; un trabajo que relaciona los llenos y los vacios de una forma espectacular, creando un juego de ausencias y presencias. El diálogo entre lo óptico y lo cinético nos interpela y nos obliga a adentrarnos en las obras para participar activamente. Se crea en el espacio un microclima donde la iluminación pasa a jugar un rol preponderante, no solamente por ser inherente a las esculturas y determinar sus límites, sino por crear un habitáculo donde nos encontramos sumergidos, donde vemos y somos vistos. Sus influencias son evidente cuando analizamos sus trabajos en el campo cinético: Henryk Berlewi, Víctor Vasarely, Heinz Mack, grupos como Recherche d’art Visuel de Paris, Martha Boto y Erwin Redl. En estas obras recientes, Casares focaliza en la importancia de la luz y el movimiento como disparadores del efecto dominó de una cadena de emociones y sensaciones que parten una sólida investigación. Es decir que desde lo racional se pasa a una instancia sensible para luego volver a quedar sintetizado el trabajo en una estructura compleja que amalgama: luz, movimiento, serialidad, multiplicidad, cubos acrílicos, tramas que brillan en la oscuridad, hilos fosforescentes, todo dentro de un ambiente acético donde logran desplegar toda la belleza que guardan en esa aparente simpleza.

Hay algo en su obra que nos remite permanentemente a un pasado que busca vincularse con el presente y luego con un futuro incierto. Como bien escribió el pintor argentino Gonzalez Perrin, “ la acción de tomar la aguja, la acción de coser, el bordar, la sutura en gran escala , otra vez el objeto operando, oscilando, entre significados sincrónicos, pasado- presente , dolor- placer, y la voluntad tomar la aguja entre los dedos para unir , reconstruyéndose , reparar a la vez que estetizar en una exacta “operación artística”

Subasta-El Arca 2010

2010-09-28T23:07:00.001-03:00

Catalogo online: http://issuu.com/arteargentino/docs/elarca_2010

52 obras (pinturas-fotos-esculturas) de artistas consagrados y emergentes (ver catálogo completo arriba), que se rematarán sin base y al mejor postor, en el MALBA, el miércoles 6 de octubre. Las obras estarán exhibidas hasta el martes 5, de lunes a viernes de 11 a 20 hs. en la galeria de arte Javier Baliña

PRESENCIAS-Objeto a

2010-09-22T22:54:00.000-03:00

Curaduria conjunta: Objeto A - Lic. M.C.Baulo

(22 de Septiembre-13 de Octubre 2010)
Micky Garcia del Rio, Maria Chapur, Stella Benvenuto,Francisco Estarellas, Claudia Gherstenfeld

Nuestras vidas están rodeadas de presencias y hasta las ausencias refieren a aquello que, por definición, no está presente. Lo que nos rodea nos define aun cuando no tenemos poder sobre ello o cuando es del orden de lo que elegimos como propio y sobre lo cual ejercemos un poder absoluto. La idea de esta muestra es presentar un grupo de artistas con puntos de vista claramente diferentes desde lo estético y desde la propuesta plástica, pero unidos por un tema que los vincula y opera como hilo conductor: lo presente, la fuerza de aquello que está muy a pesar nuestro y de aquello que sin quererlo habla de nuestra personalidad. Lenguajes distintos, medios expresivos complementarios que combinan el video con la fotografía, la pintura con el collage, la escultura con las instalaciones, los espacios abiertos con los cerrados.

Micky García del Río presenta una video instalación configurada por imágenes deslumbrantes, alegóricas y hasta perturbadoras, donde la realidad y la ficción se entremezclan. Son lo que parecen o tal vez parecen lo que no son; espejismos. No hay principio ni final. Es un viaje cíclico virtual del eterno retorno. Maria Chapur propone desde la pintura, un paisaje de otros mundos que una vez más, remiten a lo inaprensible; siguiendo con la línea de la naturaleza y los elementos, pasamos a descubrir formas pregnantes y geométricas que se comunican en una infinita danza de color donde se pierde el registro del tiempo. Stella Benvenuto completa el grupo con los Backlights, enfatizando la relación de fuerzas que se da entre la naturaleza y la tecnología, interactuando en un diálogo constante. Factores como el tiempo, la supremacía de los elementos, la levedad del ser, juegan en estas tres artistas un rol destacado; nos muestran la omnipresente e ingobernable presencia de la naturaleza en la vida del hombre.
En otra dimensión Francisco Estarellas sale del macro espacio para pasar a lo micro, aquello que está en nuestro poder modificar. Su objeto del deseo es la cama y el interés del artista pasa por descubrir “sus muchas facetas o personalidades, estilos de vida. Diferentes destinos…Algo que se esconde en la multiplicidad de sus formas”, tal como él mismo lo define. Todo lo que pasa por la cama como santuario en cada una de las instancias vitales del ser humano, haciendo de este objeto algo tan personal como las acciones que en el se desarrollan. Caso similar es el de Claudia Gherstenfeld quien también apuesta a los objetos de carácter íntegramente “humano” y trabaja con los zapatos como estandarte del movimiento: el propio impulso de lo que avanza, el progreso y el retroceso, el ida y vuelta del devenir, una suerte de rueda de la fortuna ad nauseam. Estar presente es una acción en si misma y las presencias que elegimos para presentarnos y representarnos nunca son casuales ni aleatorias sino portadoras de nuestra voz única e irrepetible. Cómo tendemos una cama o cuidamos un par de zapatos, nos es nada más ni nada menos que la forma en que cobijamos y caminamos por los senderos de nuestra vida.
Cinco artistas que buscan relacionarse con el entorno que les toca habitar, modificando, alternado, aceptando lo que les es dado y lo que eligen aportar como propio a ese espacio que es tan suyo como nuestro.
MCB

Juan Batalla – An artist of the real and the transcendental worlds

2010-08-31T22:07:00.005-03:00

SCULPTURE MAGAZINE

September, 2010

http://www.sculpture.org/

(version en castellano abajo)

(click on the image)

El artista argentino Juan Batalla, tiene la peculiaridad de vincular en su producción el arte con el espacio sagrado; transforma sus creaciones en verdaderos íconos receptores de una filosofía de vida que relaciona a las deidades ancestrales de origen afrobrasileño (orixàs) con los datos personales que le aporta el artista, en especial el lazo que lo une a la práctica del fisicoculturismo. Y no es un dato menor que ambas prácticas sean descalificadas como non santas por lo que se da en llamar la cultura con mayúsculas; esto dificulta el acercamiento para aquellos que no están abiertos a la experiencia que dichas "metaculturas" proponen.

Un mundo misterioso y oculto que vincula el plano de lo real con el plano trascendental; una comunicación dialéctica donde el circuito tesis-antítesis-síntesis, se cierra sobre la obra. Obra con determinadas coordenadas estéticas y la percepción de un cuerpo –el suyo- el cual se modifica en el tiempo. Toda experimentación producida por Juan Batalla, surge de ese núcleo primigenio donde interactúan la abstracción de lo espiritual y lo figurativo de la presencia de la corporeidad. En casi todas las etapas a lo largo de su producción como artista, prevalece su gusto por lo abstracto y lo tridimensional: la fuerza inherente a los volúmenes, su contundencia, generan una suerte de tensión entre lo denso y lo etéreo: ”La plenitud que me proporcionaron modificar radicalmente mis formas y desarrollar la fuerza física para poder participar en torneos de estas disciplinas, fueron hechos que vivencié sin duda como parte del mismo surco que ahondo cada mañana en mi taller, martillo en mano”.

En su trabajo actual prevalece el uso del caucho de los neumáticos de bicicleta. La idea del rodaje y los desplazamientos, el movimiento propio de la existencia y el transito entre diversos mundos, los estados de conciencia. Los neumáticos usados son memoria, registro y huella del paso del tiempo y de las historias particulares, únicas e irrepetibles. El tramado de apariencia textil de las gomas conserva, desde un interior silencioso, aquello que no se hace visible en las imágenes. Habiendo experimentado con el caucho por el camino de la geometría y el constructivismo y siempre con una tendencia a las formas circulares, envolventes y vinculantes que parecen retroalimentarse tal como los circuitos de la vida misma, actualmente en sus obras prevalecen dos desarrollos que plantean un juego de opuestos y complementarios: existe un tensión latente entre las obras de pared que se conectan entre sí conformando un entramado orgánico y aquellas esculturas que se nos presentan francamente irreconocibles. Tanto el erotismo como la bestialidad se hacen presentes al entrar en juego los dibujos y las fotografías - donde el artista incorpora la imponencia del cuerpo musculado- con el caucho. Una vez más, la alianza entre el cuerpo y la práctica ritual, emergen con claridad en las obras de Juan Batalla: los orixás son deidades libres de prejuicios que abrazan lo erótico, el humor y la ironía frente a las rígidas concepciones morales y religiosas de la cultura occidental.

Aunque dedicado desde siempre a la creación de una obra personal, recién en el 2001 empieza una carrera artística con cierta exposición pública. Desde entonces, participa en más de 20 exhibiciones individuales-grupales en diversas ciudades de la Argentina y el Uruguay así como en ferias internacionales como ArteBA y ArtBO (Argentina y Colombia respectivamente). También se destaca como Curador en "Dueños de la Encrucijada" Museo Blanes, Montevideo, Uruguay y Centro Cultural Rojas, Buenos Aires, (2008-9), como co-Director Artístico y Editorial de los libros “Dueños de la Encrucijada" (2007) y “"San La Muerte, una voz extraña" (2004), y gana algunos premios internacionales como el "Atabaque" Award, I.F.A., Uruguay (2002), entre otras actividades. Por lo tanto, su obra visual también se articula con aquellos trabajos editoriales realizados con el artista plástico argentino Dany Barreto como co-directores de la Colección Arte Brujo; un trabajo de investigación de años, el cual presenta abordajes desde la filosofía, antropología, sociología y religión, sumado al arte contemporáneo. Siendo un entendido en el estudio de las expresiones artísticas de raigambre africanistas, la obra de Juan Batalla sufre la influencia de Robert Farris Thompson, catedrático de Arte Afroamericano en la Universidad de Yale, curador y escritor de ensayos varios sobre Basquiat, Haring, Kuitca, entre otros.

En su última serie de esculturas – algunas de las cuales integraron su última muestra individual en el Centro Cultural Recoleta en Abril de 2010- el artista explora la relación de una forma primigenia con el movimiento, donde también la iluminación cumple una parte clave dentro del proceso. Obras con formas volcánicas realizadas en madera cubierta con caucho de ruedas, con tapa y las cuales encierran en su interior un motor que activa el movimiento ascendente y descendente de las tapas. Las obras del artista se conectan, se influencias y nutren entre ellas; las formas fálicas aparecen con gran contundencia dando cuerpo a formas monstruosas representativas de un mundo viril. Y si bien predomina el negro original de las llantas, la textura del caucho permite que algunas esculturas pintadas de rojo, cobren tanto realismo como solamente la carne misma puede representarlo. Ese efecto “vivo” y materico es el que genera un acercamiento de la obra con el espectador y con el propio artista, sin embargo, la contracara se da con el uso de los mecanismos robóticos, los cuales producen el definitivo corte entre él y su obra.

La escultura es para Juan Batalla “un estado mental, una frecuencia vibratoria desde la cual leo la realidad y la traduzco en imágenes”. Una obra que navega entre las demandas de un presente con una permanente necesidad de inmediatez y un desarrollo conceptual vinculado a lo ancestral, eludiendo así los presupuestos contemporáneos que muchas veces echan por tierra una reflexión filosófica que remite a lo germinal, lo esencial, el núcleo mismo. Se destaca la exploración de las sensaciones de levedad y pesadez presentes en las obras de artistas como Jose Bedia y Cornelia Parker, quienes llevan este recurso hasta el límite. Un artista con una sólida base intelectual que se permite hacer una relectura del camino que ha seguido su trabajo, aun cuando la fuente de inspiración originaria ha cambiado o ya no hay una identificación clara con los referentes del pasado, con los detonantes. Juan Batalla se propone no hacer interpretaciones vagas ni cuestionar su producción sino dejarla fluir y que sea el tiempo el encargado de darle a cada una su justo lugar en el espacio: “Veo artistas que temen a sus propias creaciones porque no las pueden abarcar dentro de sus presupuestos conceptuales. En mi caso, elijo liberarlas. Mejor si corren delante de mí”.

M.C.B

AMABILIS INSANIA - GONZALEZ/GUINOT

2010-07-07T23:20:00.004-03:00

15 de junio al 13 de agosto de 2010
RO Galería de Arte

http://www.roart.com.ar/

El concepto de Amabilis Insania sale a la luz de la mano de Horacio hacia fines del siglo I A.C en su Ars Poetica; concepto que le permite fundamentar los procesos creativos de aquellos poetas que logran mediante su producción artística, elevar la experiencia del receptor a un grado tal que nos llevan, literalmente, a otra dimensión perceptiva. La “insania” a la cual refiere el autor, representa lo opuesto al mundo donde se refugia el psicótico; Lacan supo definirlo como “pajarera de fenómenos”: un espacio donde no hay coherencia posible y mucho menos se da la posibilidad de elevar la experiencia a grados enriquecedores para el espectador. Por eso la locura del poeta, del artista, actúa como un disparador de sensaciones y nos enaltece.

Artificio, Métrica, Abstracción, Belleza, Ilusionismo, Locura, Inspiración, Sublimidad, Introspección, Numen, Sensibilidad, Aprehensión, Normativa, Imaginación, Arte…Amabilis Insania

Las obras de Mariano González y Camilo Guinot tienden redes en el tiempo y guardan empatía con las palabras del poeta latino. Un trabajo que pareciera ser desquiciante a simple vista, el cual demanda dedicación, rigurosidad, paciencia, sapiencia, disciplina, sistema y una obsesiva tolerancia para el cuidado de los detalles formales relativos a medidas exactas, paleta cromática, relación entre las partes y el todo y fundamentalmente el diálogo entre la idea subyacente y la obra materializada. Ese trabajo - que a algunos puede parecerles “de locos”, a otros puede sugerirles pensar que es un dictado de la inspiración y un tercer grupo puede entenderlo como el numen que define el poder mágico inherente a los objetos más allá de quien lo hizo - es el producto de dos artistas que se someten a una técnica que les es inherente y la cual requiere de ellos un grado elevadísimo de abstracción del mundo que nos es común a todos –la “beatus ille” para continuar con Horacio-, para habitar ese espacio de introspección donde fluyen como solamente pueden hacerlo unos pocos elegidos. González y Guinot son parte de ese grupo de pocos que traspasan las barreras del rapto creativo, porque aun si fuesen ideas susurradas por las musas al oído, ellos han elegido mantenerse prestos y alertas sin descansar en la confianza que da el “genio”; deciden aprehender todo lo que la sensibilidad puede captar y que es invisible a los ojos del común de la gente, entrenan la introspección y la imaginación para finalmente dar forma acabada, casi perfecta en método y estructura y construir una ilusión, un artificio de tal belleza que se nos presenta sublime. Y lo sublime, como categoría estética, tiene el poder de identificarnos al máximo con el artista y su proceso creativo; lo paradójico radica en que obras de un nivel de racionalidad extremo como las que producen Mariano González y Camilo Guinot, son las encargadas de desestructurar en el espectador cualquier vestigio racionalista para transportarnos a ese nuevo plano de la experiencia que prefigura Horacio. Obras que nos enriquecen, nos hacen sentir el placer estético más allá de las formas y nos conectan con el poder intrínseco del objeto el cual cobra vida aun a pesar de los propios artistas.

Lic. María Carolina Baulo

Genoveva Fernández & Martín Calcagno - ELSI DEL RIO

2010-07-06T09:29:00.004-03:00

ARTPULSE MAGAZINE Summer 2010
http://artpulsemagazine.com/genoveva-fernandez-and-martin-calcagno/
En ELSI DEL RIO ARTE CONTEMPORANEO

(click en el imagen)

Territorios Humanos (Fotografía)

2010-06-13T19:03:00.005-03:00

Texto y Curaduría de la muestra Territorios Humanos

Rita Simoni-Eva Fisher-Javier Flores-Sebastian Varin
En: Maria Elena Kravetz Gallery
30 de Junio-30 de Julio, 2010

Los espacios que nos rodean son aquellos que conformamos al interactuando. Los espacios son múltiples, cambiantes, particulares y se adaptan a las necesidades y estados de ánimo de las personas. Son espacios que construimos para que nos alberguen y muchas veces, sin quererlo o sin saberlo, los afectamos y distorsionamos con nuestra sola presencia…o ausencia. Y la fotografía es fiel testimonio, recorte de una realidad que se conforma en esa relación entre los espacios y nosotros.
La obra de Sebastián Varin evidencia la naturaleza en su aparente estado puro, inmutable y trascedente; lo ajeno a la mano del hombre. Sin embargo es el hombre quien la captura en imágenes y quien la afecta al participar de su microcosmos alterando su flujo vital.
Javier Flores fotografía espacios urbanos y espacios íntimos, cotidianos, relevantes por su simpleza y el aura nostálgica propia de aquello que fue abandonado por la presencia humana. Espacios que se perciben vacios si no son habitados, las soledades del ocio, como el artista suele llamarlos.
La propuesta de Eva Fisher se vincula con el espacio onírico, los lugares que transitamos en los sueños, los dibujos de luz que hacemos con la mente cuando estamos en ese estado de ensoñación que nos permite fantasear con solo mirar hacia el cielo o a través de una ventana y nos entregamos al poder de la imaginación y la creatividad.
Rita Simoni relaciona su trabajo con lo que dejamos a nuestro paso, los despojos, los espacios residuales que denotan el paso del hombre y resaltan su marca en el camino, su huella. Espacios que conservan la experiencia vivida pero ya no esperan ni anhelan un retorno - como ocurre en los casos anteriores -, sino que aceptan su destino y registran una realidad que puede, eventualmente, convertirlos en otra cosa.
La idea que vincula a estos cuatro artistas, fotógrafos que manejan la fotografía digital e intervenida (con pintura, con técnicas digitales, etc), es mostrar un abanico de lugares comunes de encuentro – mediados por la visión particular de cada uno de los artistas, sus elecciones y sus selecciones de la realidad-, de territorios netamente humanos aun sin que estemos físicamente en ellos; espacios que están en nuestros naturaleza, nuestro día a día, nuestra mente y las historias del pasado, presente y futuro. Por que nadie en su sano juicio puede habitar uno sin el otro, porque quedaríamos aislados, alienados en los recuerdos, perdidos en los sueños o detenidos en el tiempo. Los territorios humanos son todos y son uno, se construyen y deconstruyen con el movimiento propio de la vida y la fotografía logra retenerlos para la eternidad en un instante; es exactamente ese movimiento el que se adueña de las obras y aparece en un primerísimo primer plano diciendo presente.

Lo Propio y lo Apropiado

2010-06-13T18:56:00.005-03:00

Texto de la muestra de Di Pascuale-Lamanna

Lo Propio y lo Apropiado - Federico Towpyha Arte Contemporaneo
4 de Junio-5 de Julio, 2010

La multiplicidad de significados que podemos extraer de ciertos términos, permite que el lenguaje se convierta en un terreno desafiante y enriquecedor aun cuando la ambigüedad de ciertas palabras parece sumergirnos en un mar semiótico. Al pensar en “lo propio”, rápidamente nos viene a la mente el sentido de propiedad, la identificación con aquello que poseemos que habla de nosotros mismos y nos define al tiempo que nos diferencia. Pero también, lo que es propio es aquello que es inherente a algo o a alguien, es aquello que corresponde y guarda cierta relación de adecuación con algo o alguien. Similar situación se da con “lo apropiado”; la apropiación como aprehensión o como valor – casi moral – de aquello que es correcto, un imperativo categórico.
Lucas Di Pascuale y Sergio Lamanna ponen sus obras a dialogar en una muestra que destaca el lado B del arte: por un lado la visión de un artista que reelabora la forma en que otro artista ha concebido una obra, y por otro lado un desfile de figuras relacionadas con el mundo del arte que siempre quedan relegadas a un espacio en off en función – o así debería serlo – de las obras. Di Pascuale retrata obras como si fuesen el modelo vivo pero su forma de apropiarse de esa imagen es desde la relectura, tomando al modelo como un ejemplo entre miles y no como un homenaje a un personaje en particular o a una obra paradigmática. Lamanna, por su parte, focaliza en las personalidades que giran en torno a las obras, los críticos, curadores, galeristas, aquellas figuras que contribuyen a la difusión, comunicación, circulación y muchas veces, en determinados casos, consagración de artistas y sus trabajos.
Dos puntos de vista que amalgaman, bajo el uso del dibujo como técnica fundamental, el lápiz y la tinta, la ausencia del color y la contundente presencia de la línea, dos registros del arte contemporáneo argentino; dos espacios que conviven e interactúan, que se retroalimentan y construyen mutuamente porque se necesitan y en ciertas condiciones hasta son fundamento uno del otro.
La elección de las obras referenciadas por Lucas Di Pascuale nos habla de una selección donde el azar tiene mucho que ver; lo propio se impone a lo apropiado, el respeto se impone a la solemnidad, la pulsión del artista por reelaborar aquello que llamó su atención, se impone a cualquier lectura que se quiera hacer en términos de reverencias. En cambio, en el caso de las animadas figuras monocromáticas de Sergio Lamanna, la presencia de la empatía se hace necesaria para que el artista logre vincularse con el personaje retratado y se anime a experimentar una visión particular; una visión que busca relacionarse con lo fantasioso antes que con lo caricaturesco o lo grotesco.
Modos de ver de dos artistas sobre las obras de otros artistas y los agentes que sobrevuelan su entorno; lo concreto y las condiciones de posibilidad, ambas atravesadas por un punto de vista que se presenta desestructurado sin caer en la sátira al tiempo que destaca y enaltece sin ser una oda. Apropiarse de los personajes y las obras, pasarlas por el filtro de lo propio y arrojar al mundo una nueva realidad, ese es el desafío.

VIBA - FEST

2010-03-15T17:09:00.003-03:00

Artpulse Magazine, March-May 2010
http://artpulsemagazine.com/viba-fest/

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ADVERSUS Revista de Semiotica - Dueños de la Encrucijada

2010-03-10T09:57:00.002-03:00

Dueños de la Encrucijada, estéticas de Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata

http://www.adversus.org/notas.html

2009-12-31T15:11:00.008-03:00

Andy Warhol-Mr. America / Eugenia Calvo-The Prevailing Forces

2009-11-29T23:33:00.002-03:00

ARTPULSE MAGAZINE
December, 2009

Eugenia Calvo: http://artpulsemagazine.com/the-prevailing-forces-eugenia-calvo/

Andy Warhol:http://artpulsemagazine.com/andy-warhol-mr-america/

Tadeo Muleiro

2009-11-25T15:40:00.005-03:00

Sculpture Magazine

http://www.sculpture.org/documents/scmag09/dec_09/dec09.shtml

December, 2009

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Hernan Cedola - TIMELESS

2009-11-01T00:01:00.005-03:00

ART DISTRICTS MAGAZINE - USA
November, 2009
http://artdistricts.com/

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Schoolism / Owners of the Crossroad

2009-10-31T10:06:00.004-03:00

ARTPULSE MAGAZINE (ex Wynwood)
http://artpulsemagazine.com/
Two REVIEWS by MCB: Schoolism / Owners of the Crossroad

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Adrian Villar Rojas - Ruth Benzacar Gallery

2009-10-30T17:26:00.006-03:00

SCULPTURE MAGAZINE-USA

November, 2009

http://www.sculpture.org/documents/scmag09/nov_09/nov09.shtml

Adrian Villar Rojas is an argentine artist who likes to be challenged; he doesn’t define himself as a painter or sculptor, but as an artist who wants to try it all and likes to work close to the border line; he plays the part of a director always pushing himself to the limit.
The artist constantly refers to the idea of making an archaeological installation as he pictures how the scenario of the end of the world would be like, also contemplating what might happen in hundreds of years when he’s no longer alive and all his remains, if any, still have a place in the planet. He wonders if he would be remembered, if it would be possible to reconstruct the main “moments” of his life like love, family relationships or his personal interests. The artist is deeply concern about death, time, loneliness, sadness, catastrophes and the human susceptibility to coincidences. He’s attracted to explore spaces and obsessed with the study of humans and their actions.

Villar Rojas combines impossible situations; time is the engine and not willing to let any moment slip away, he tries to capture each one of them in every ruin he creates or in the ancient fossils he mix with ordinary elements of our daily life. He makes monuments: “I make monuments because I’m not ready to loose anything”. An imaginary world becomes visible to the contemporary spectator, invited to interact within it.
Men from the Neanderthal Era, dinosaurs and all kind of animals, fantastic mutilated creatures deformed or dead, they all incarnate that world beyond human rationality where pain and destruction, but also redemption and persistence exist. Inside the space provided by the gallery Ruth Benzacar in Buenos Aires, we witness the end of the world and also the beginning of a new one. Elements co-exist in an incoherent habitat: photomontages, paints, remains of broken buildings, cars, a poor copy of Michelangelo’s David, acrylic butterflies, even a mosses with a baby’s figure in it. Chimneys built using construction material such as bricks, cement, sand and clay; water tanks made of fibro cement; enormous pieces of glass covering the floor; everything seems to play an important role in the installation but not in a dramatic way. They are all part of the surrealist landscape: “I heard someone said you could get hurt in my installation and I liked it because I thought the idea of taking a risk while entering in that place, was attractive”, said the artist.

Adrian Villar Rojas is always conscience of how compromising these kinds of projects are and how exposed he feels. He commits physically and emotionally as if that experience would be the very last one. In only 10 days he put the installation together and only the help of assistants was required when creating the enormous amount of clay sculptures, the small ones in cold china or the handcrafts disseminated all around. But more than 3 months of preproduction and preparation where dedicated to build in his mind, an entire cosmos to cover the 80 m2 of the gallery.
Prehistoric times and our present interact in a place without a real or possible existence. The ruins, the media, fantasy and reality, technology and handcrafts, life and death participate of a creative tension that nurture and neutralise each other at the same time.

Ruth Benzacar Gallery

http://www.ruthbenzacar.com/

Dueños de la Encrucijada / Owners of the Crossroad

2009-10-01T14:13:00.014-03:00

KUNSTHART MAGAZINE (Belgium)
http://www.kunsthart.org/

VERSION EN CASTELLANO
http://kunsthartmagazine.blogspot.com/

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Mariano Gonzalez - NIDOS

2009-09-22T20:26:00.003-03:00

GALERIA FEDERICO TOWPYHA
Inauguración viernes 2 de octubre a las 19.00 horas - Cierre 9 de Noviembre del 2009. http://www.ftarte.blogspot.com/

“Toda la sabiduría humana se resume en dos palabras: confiar y esperar”

Alejandro Dumas, El Conde de Montecristo

El ser humano acciona permanentemente; construye, inventa, crea. Y mucho de ese accionar va ligado a las convicciones. Empresas monumentales como las pirámides de Egipto, los templos griegos o la muralla china, nunca hubiesen cobrado “vida” si no fuese por un profundo compromiso que trasciende lo racional, alimentando y guiando a los hombres que invirtieron – literalmente – su vida entera en proyectos como estos. Es por eso que hoy día, donde la filosofía de lo pragmático, donde el “time is money” y la capacidad de efectividad e importancia se mide acorde a la respuesta en lo inmediato, el factor espiritual como hilo conductor de las acciones, queda prácticamente fuera del juego.La muestra NIDOS, donde se presentan una serie de aves, es un fiel ejemplo de la reelaboración de los criterios de producción en el siglo XXI. Mariano González exhibe un trabajo que parte de la recuperación de valores ancestrales devaluados por el mundo moderno; recupera el trabajo artesanal, la observación larga, detenida y profunda del natural, investiga las formas, despliega un abanico cromático que resulta extraordinario por su riqueza y goce visual y combina técnicas milenarias propias del arte en papel, para amalgamar todos los elementos formales que construyen una obra de arte exquisita. Y aun así, aun cuando cada ave, cada nido, cada creación artística lleva meses de producción y ensamblaje, aun cuando no hay lugar para el cansancio, la celeridad y donde todo gira en torno a la intencionalidad de darle a cada una de las cientos de partes que conforman cada obra, su tiempo justo para combinarse con la pieza siguiente, aun así, Mariano González pone la cuota de libre interpretación de esa naturaleza que observa hasta desnudarla. Porque solamente conociendo y aprehendiendo ese conocimiento, se puede dar rienda suelta al trazo propio del artista, su factura única e irrepetible. Al observar detenidamente los colores, la disposición de las proporciones y la interacción de los elementos constitutivos de la obra, estamos claramente frente a una estética que cuida tanto del trabajo equilibrado y sistemático, como de la frescura inherente a la caracterización absolutamente personal que hace el artista de las formas de los nidos, su disposición y su relación con los pájaros.La obra de Mariano González presenta un mundo poco conocido para los que van tras los resultados efectistas y súbitos. Impacta por su delicadeza, fidelidad a las formas y por sobre todas las cosas, se revela abrumadora cuando se hace evidente el detalle. Íntegramente realizada en papeles de variados tipos, gramajes y coloridos, lo efectista se desprende de la admiración que despierta en el espectador cuando se encuentra frente a obras producto de un joven artista que ha logrado combinar la sabiduría de aquel que logra visualizar la materialización de las obras, la confianza en su visión y la estoica constancia que suele traer aparejado el éxito en cualquier disciplina que el hombre se proponga; cualidades y atributos que Mariano Gonzalez posee en cantidades descomunales.Lic. María Carolina Baulo

Walter Vera-Las Cuatro Estaciones / The Four Seasons

2009-09-19T15:26:00.007-03:00

Maria Elena Kravetz Gallery - http://www.mariaelenakravetzgallery.com/index.htm

Las Cuatro Estaciones

El cordobés Walter Vera nos deleita con la presentación de la serie “Las Cuatro Estaciones”, obras donde logra plasmar en un formato pequeño a medio, la intensa presencia de los distintos climas y sus particularidades. Su formación en el campo textil, participación constante en muestras individuales y colectivas desde el año 2004 y premios y menciones del Salón Nacional de Córdoba, dan al artista el aval suficiente para entregarse a la experimentación y el goce del juego en la confección de las obras que se exhiben en la galería de arte María Elena Kravetz. Desde el aspecto formal y destacando el uso del fieltro de manufactura artesanal como soporte, se destaca el contraste de los colores, haciendo eco de los tonos característicos de las estaciones del año; un manejo de la fibra textil con alto grado de conocimiento y sutileza permite apreciar la exquisita factura que adquiere el acabado final de las obras. Pero si en algo de basa la armonía y el equilibrio del conjunto, es en la interacción de los colores, los materiales y las texturas. Los tintes naturales, las anilinas, el bordado y los apliques, completan la coherencia de las obras.Siguiendo la teoría hegeliana sobre las relaciones humanas y las redes que se tienden cuando entramos en contacto con otras personas, encontramos que ese entramado social se traduce en las obras de cada artista que se dispone a crear; siempre hay algo de quienes tocaron en alguna oportunidad nuestro camino y nos afectaron de alguna forma. Vera se propone entonces una suerte de homenaje a todos aquellos que, en sus propias palabras, se han cruzado mientras el iba “siguiendo el hilo”.Obras que se presentan como un universo en si mismo al tiempo que representan un colectivo que las vincula; “tapices contemporáneos-urbanos”, como el artista las define, son la síntesis hasta el momento, de su experiencia de vida y la relación que fue construyendo con los textiles, tratando de descifrar los delicados códigos que transforman una humilde hebra en un bordado y éste en una obra de arte.

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The Four Seasons

Walter Vera, from the city of Córdoba, delights us with the presentation of the "The Four Seasons", where he captures in a small - medium format, the intense presence of the different climates and its characteristic.His background in the textile field, his constant participation in solo and group exhibitions since 2004 and his awards and distinctions at the National Salon of Córdoba, give the artist the endorsement to approach experimentation and the joy of playing while making the pieces he exhibits at Maria Elena Kravetz art gallery.From a formal perspective and highlighting the usage of the handmade felt as support, the contrast of the colors stands out as the echo of the dominant tones of each season of the year; the handling of the textile fiber with enormous knowledge and subtleness allows us to appreciate the exquisite imprint that acquires the final piece. But the general armony and equilibrium is based on the interaction of colors, materials and textures. The natural dyes, anilines, embroideries and ornamental details, complete the coherence of the art works.Following Hegel´s theory regarding human relations and the nets we build when we get touch with other people, we find out, that social interweave translates into each work the artists create; there´ s always something left of those who stepped in our road and affected us in some way. Vera proposes homage to all those people that, in his own words, crossed his road while he was "following the thread".Works that present themselves as a universe itself and at the same time, represent a collective that relates them; "contemporary-urban tapestries", as the artist defines them, summarize his experience in life and the bonds he created with the textiles up to now, trying to decipher the delicate codes which turn a humble thread into an embroidery and this into a work of art.

Isabella Rengfino: Rustic Innocence

2009-08-05T22:43:00.006-03:00

First Published: FIBERARTS MAGAZINE - Sept-Oct, 2009
http://www.fiberarts.com/default.asp

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Isabella Rengfino was born in Venezuela twenty-five years ago. The young artist has found a peculiar way to express herself. Choosing aged recycled materials and the combination of hand embroidery and machine sewing, she creates a unique universe that reflects her imagination.

Figuration allows images from the artist’s intimate thoughts to come alive; this intimacy relates to her cultural background developed within the diversity and interaction of cultures in Latin America. Nevertheless, her own personal experiences are the main source of inspiration, which she defines as an “expression of my feminine identity, my dreams, my passions, and other icons that are so personal I prefer not to explain and to let people find their own interpretation.” She emphasizes that the recycled materials she uses are the medium to tell stories; each carries the presence of the past and retains its path.

The raw and the naive coexist in Rengifo’s unusual aesthetic: fragments of stained fabrics of all types—some of them already stained and others stained by the artist—the bleaching, the combination of different textures, and the graphic hand-stitched drawings that create such artificial, or plastic, richness. Her intention is to create crude constructions that reveal the absolute domain of the ancient embroidery technique. The self-portrait Autotrestratos shows the artist three times in a gesture of sewing that gives movement and a sense of time to the composition; in Agazaporea she represents a girl, a watermelon, and a goat—each with their corresponding alter egos.

Throughout her work, we notice how the artist specifically selects every fabric she uses: pieces from her grandmother’s closet, a bride’s dress from an aunt, or some material from an old sofa. But not all of these fabrics are antiques; some are brand-new. When making aesthetic choices, Rengfino follows this main idea of blending as the engine of her work to establish an all-encompassing personal code: intimate principles relate to the selection of materials and, once again, combine with universal life experiences.

Rengfino also intends to bond the contemporary with the traditional. The hybrid field she inhabits is characterized by the impossibility of defining or labeling her work as just painting or embroidery. Her use of mixed media gives the artist a specific plastic language that highlights the interaction between stains, drawings, and embroidery. Always trying to find the equilibrium, she structures the formal elements, colors, and textures to allow different characteristics to shine. A subtle harmony emerges with the final product that follows no logical pattern. Nothing is rigid or extremely formal; on the contrary, hazard becomes a relevant ingredient in the creative act. “I want to express freely and focus on the gestures; I don’t want any perfection, exactitude, or rigidness—that is why I use the combination of a . . . formal structure represented by the sewing machine and the informality represented in every handmade piece. My works look childish sometimes, and I think it relates to these choices I make; the result is a rustic artwork with an enormous, expressive potential within.”
María Carolina Baulo

2nd Biennial of the End of the World

2009-06-13T22:34:00.003-03:00

First Published, Summer Edition 2009
Wynwood Magazine-U.S.A
http://wam-magazine.com

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Buenos Aires Salvaje-Street Art

2009-05-18T13:10:00.003-03:00

First Published WHITEHOT MAGAZINE

May 2009

http://www.whitehotmagazine.com/

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Size Matters? - Natalia Kempowsky

2009-05-01T12:30:00.007-03:00

First Published by

Sculpture Magazine - May 2009

http://www.sculpture.org/documents/scmag09/may_09/may09.shtml

The importance of the exhibition Size matters?, lies in the original way the artist finds to approach issues related with migration, human behaviors, culture and social relationships. Because these are those kinds of problems artists that lived in different countries, always feel related to. Natalia Kempowsky was born in Colombia, her family has German roots, and she studied in London and participated in several solo and group exhibitions in Colombia, London and New York. Size matters? is clearly one of those cases where the personal story of the artist, the multicultural influences in her work is more than relevant.Kempowsky is fascinated with human behavior and how the environment affects it. The political, religious, cultural, and social context where a person grows is obviously the main structure that gives shape to the identity and personality each person develops. The type of art an artist produces is also a way of expressing the way he/she acts and interacts socially and how the world is perceived. Natalia chooses specific locations and study people’s actions: she photographs them, draw them, and talk to them; pure interaction. But not only those experiences are important, also the architectonical structures, regular activities, the ecosystem, objects that surround us, time and space, “information that let me understand social phenomenon and patterns in social development”, she says.The wooden spheres are the original part of her work in this exhibition. Usually she’s not bond to any material in particular, she uses all kinds of objects, installations, and public interventions. She always focus around the main ideas related with freedom to travel and explore, nationality, humans, the dynamics of international migration and immigration, cultural identity, the environment. The spheres represent the different countries of the American continent. The curator designed a special place where they should be located inside the gallery according to the design of a “virtual map” which also relates the size of the countries in each of the several globes, with the concept of freedom those countries have and how they use it within their territory. The real size, the surface of each country, therefore, is not the reference the artist uses to create the sculptures. The main materials are recycled woods. The empty semi spheres are bond together with metallic locks but pieces could be separated manually allowing the spectator to look inside of them where figures drawn as if they were engravings, represent the most characteristic features of each country.Next to the biggest sphere – the U.S - Kempowsky places small paper “people” who embody the thousands of souls that once emigrated; by defect, they also refer to those hundreds of countries people left behind. They hang from a rope, some are falling, and others are just standing and many close or in small paper ships. Spheres just present the situation where not only the size of the territory is fundamental because of its richness in natural resources but because of its content in cultural diversity. The artist develops a new map of the world, as real as any geographical map could be, where boundaries are flexible and redefined as we speak; the more each country opens its limits, the richer it gets because of the immigrants.

Maria Elena Kravetz Art Gallery – Cordoba, Argentina

2nd - 30th July, 2008

http://www.mariaelenakravetzgallery.com/index.htm

Discontinuous

2009-04-12T19:32:00.002-03:00

First Published April-May 2009
Wynwood Magazine - USA
http://wam-magazine.com/

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Floki Gauvry - “El caos sensible”

2009-04-08T16:27:00.004-03:00

Galería Atica

http://www.galeriaatica.com/

Abril-Mayo, 2009

Floki Gauvry se ubica dentro de un grupo de artista donde nos resulta difícil distinguir los límites entre su producción en la vida cotidiana y su producción en el arte, siempre que aceptemos que dicho límite existe. Observar la forma en que maneja sus obras o como se mueve entre ellas, nos habla de una persona que ha encontrado un sutil equilibrio entre lo que piensa y lo que hace, dueña de una armonía que se manifiesta en una búsqueda permanente a lo largo de varias décadas de trabajo introspectivo.
La serie El caos sensible no es fruto de la inspiración genial ni del arrebato creativo sino que son cientos de grabados los que fueron necesarios para que hoy día esta serie compuesta de monocopias, imágenes digitales, un libro de artista de calidad exquisita y hasta un pedestal luminoso con acrílico fluo, integraran un todo donde las partes son claramente independientes y aun así todas remitan a una idea central. Y lo central, lo protagónico que organiza ese caos primigenio, es el agua.
Desde lo formal, estamos frente a un trabajo de factura artesanal, cuidado al detalle y portador de toda la vitalidad que encierra ser un ejemplar único e irrepetible aun cuando el medio elegido, el grabado, sea la técnica reproductible por excelencia desde hace siglos. Floki ha elegido trabajar con el grabado, pero introduciendo un giro que no permite que sus obras sean plausibles de seguir el destino de, por ejemplo, los grabados litográficos. Asimismo el tema, la idea detrás de las obras de la artista, es nutrida a partir de un conjunto de experiencias que parecieran desarrollarse en el tiempo; hay fuentes que alimentan su trabajo en forma recurrente: la naturaleza, el vínculo arte-vida, la regularidad geométrica y matemática combinada con el factor azar, la presencia de lo cíclico en el tiempo y el espacio. El fluir vital rige cada composición. Cuando uno se detiene frente a sus grabado, cuando uno conoce estas obras, advierte que ese caos que la artista describe, parece estar paradójicamente contenido bajo un efecto cosmético el cual desempeña un doble juego: por un lado potencia su brillo como si estuviera ejerciendo una presión desde el germen y a punto de explotar, y por otro, es esa misma tensión la que se descubre protegida por las formas curvas pregnantes y sólidas que parecieran trasmitirnos una suerte de tranquilidad y estabilidad propio de aquello que respira plácidamente.
La obra de Floki Gauvry en general, y El caos sensible en particular, nos informa sobre la supremacía de la vida por sobre todas las cosas; su producción se fue gestando en una dialéctica donde todo gira una y otra vez retroalimentándose y volviendo a surgir con mayor ímpetu. La obra nace de una semilla gestada en un cálido útero y a su debido tiempo, puja por salir a la luz pero conteniendo toda su irracionalidad en las formas sensibles que adopta tan cercanas y familiares para quien las observa. Entonces nos sentimos tentados a contemplarlas por largos períodos y nos seduce su invitación a descubrir múltiples significados acorde a la perspectiva que asumamos.
Floki ha elegido en esta oportunidad al agua como campo de acción y experimentación; ha observado el movimiento del río -el río a orillas del cual vive- y captado su esencia esta vez no solamente en sus grabados sino a través de la fotografía. Sin embargo, logró someter la factura hiperealista de una “instantánea” a la técnica del grabado, obteniendo así impresiones que lejos están de ser una postal o el registro de una experiencia plasmada en papel sensible. En sus fotografías se descubre la trama, el grano, pero no de la película sino de la impresión. Combinaciones que nos hablan de un espíritu que busca renovarse y conservarse al mismo tiempo; nuevas formas de expresar su profundo vínculo con lo vital y las posibilidades que ello brinda. Una obra que mediante el elemento acuoso busca manifestar su potencial y su mensaje como antes lo hicieran series relativas a los mandalas o las figuras cuánticas. Es ahora un elemento, el elemento más vinculado junto con el aire, a la posibilidad de generar, tener o quitar vida, el encargado de llevar adelante una nueva búsqueda. La artista nos presenta una serie de alto valor estético y delicada factura, que una vez más nos desafía a penetrar en sus misteriosas apariencias que parecieran navegar entre lo figurativo y lo abstracto. Y más allá de lo que cada uno pueda encontrar en ese camino o las lecturas que pueda hacer, sin duda la experiencia será gratificante por igual, porque nada es más placentero que participar de un viaje por las turbulentas y sublimes aguas de la vida.

María Carolina Baulo

Claudia Gherstenfeld "AVANTI"

2009-04-02T15:11:00.004-03:00

Sculpture Magazine

March 2009

http://www.sculpture.org/documents/scmag09/mar_09/mar09.shtml

Claudia Gherstenfeld is an argentine young artist. She started painting, then she tried with ceramics, but her main concerns lately are related with sculptures and objects.

This exhibition, where she presents her new production, is called “AVANTI”. The entire presentation is related with humans. Shoes, clothes, everything we wear speak for ourselves even if we don’t want to. The artist works with shoes, objects and wheels and its relation with the motion of life; shoes represent the constant activity people have, the never ending circle of moving forward. The exhibition’s name, an Italian expression, expresses the idea of a turning wheel, just like the unpredictable wheel of fortune. “AVANTI” also gives us permission to walk, to pass, to enter; it’s a friendly way of welcoming others.

The idea of working with simple materials to give shape to those shoes that recreate so many different characters and individuals, is also related with the ordinary action of putting them on every day just to get started. Gherstenfeld wanted to show as many varieties of shoes as she could. The entire exhibition presents all types of alternatives for the spectator to easily find the correct option that suits with his/her personal story. Some sculptures look “tired”, other shoes look fancy and glamorous and some reveal the cruel or tender side of its owner; even the artist’s shoes are part of the exhibition, her real shoes left in one of the corners of the gallery the opening night of the show. And you can tell a lot of Gherstenfeld´s personality just by looking at those colorful high heels.

The support, the materials the artist used, basically paper, glue, and paint - but combined with flowers, nails, wood and real heels and spike heels - are transformed in such a way that the small sculptures look so natural we could even feel attracted to reach them and try them. And I also see there’s an interesting analogy between those pieces and the titles the artist gave them. Simplicity seems to be an ideal she wants to achieve, the main concern she seeks, but the paradox is also present because every title is configured in a cryptic way, far from being easily accessible: the title could represent just capital letters like R.I.P (not much more than an R, an I and a P) that communicate us nothing in case we don’t know the meaning of those letters all together just separated by dots; but it could also refer to the appearance of the shoe-sculpture. We could make the exercise of trying to find out the concept within those unpronounceable words, we could also choose to create the meaning ourselves, or we can just let it go and assume it is part of an intimate pact between the artist and her art work. An original way that Claudia Gherstenfeld finds to relate what an appearance could sell and how words give names those appearances; not always the same thing. As she said: “as simple and as complex as life itself”.

Decastelli Arte
http://www.decastelliarte.blogspot.com/

EGO X GEO - Eduardo Capilla

2009-02-20T23:18:00.005-02:00

First Published, Feb/March 2009
Wynwood Magazine - USA

http://wam-magazine.com

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Arte y Dolor

2009-01-30T21:27:00.005-02:00

AdVersus-Revista de Semiótica

http://www.adversus.org/

(Click spbre la imagen para ver el artículo en Notas)

Gloria Arboleda

2009-01-14T14:04:00.004-02:00

Whitehot Magazine - January 2009

http://www.whitehotmagazine.com/

(Click on the image: view entire article online)

Claudia Aranovich

2009-01-08T21:45:00.006-02:00

Sculpture Magazine

http://www.sculpture.org/documents/scmag09/janfeb_09/janfeb09.shtml

January 2009

Claudia Aranovich’s work is a battlefield, a dialogical relationship of materials, message, artist, and spectator. The pieces presented here were made between 1993 and 2007, in a variety of styles and materials. Aranovich builds a bridge connecting the past and the present, recalling our story as a society and as individuals. Each work refers to the organic: seeds, branches, logs, honeycombs, and fur are just a few of her references. Everything seems to be alive, in these juxtapositions of resin, polyester, glass, iron, and steel. Aranovich encourages the materials to nurture each other, to mix and play together but, at the same time, to keep their own identities. She is concerned with the power within the materials, and she establishes a dialogue between organic and ideal or geometric forms. Some pieces, such as the “Flags,” are a cruel reminder of Argentina’s social crisis in 2001. Made of broken glass, the “Flags” represent the fragmentation felt by people in this country.

The “Relief Boxes” enclose natural materials such as honeycombs, juxtaposed with words such as “future,” “hope,” and “security.” Natural life seems trapped in artificial structures, in a delicate and unified balance that brings the entire piece into harmony. Aranovich also uses photographs printed on steel sheets or placed inside logs and combined with lights to balance artificial and natural elements.
In Aranovich’s work, geometry establishes a balance or an ambiguity between irregular and ideal forms. In the “Spheres,” exteriors made of materials that suggest perfection, such as glass, split open to reveal branches or roots—pod forms, like the wooden Semilla 2, made of materials that are imperfect by nature no matter what form or shape they take. The same is true of Natural/Artificial, a tower shape made of lead, glass, and roots embedded in resin that tilts away from the vertical to suggest organic, rather than architectural, growth.
Aranovich turns materials into vehicles for a story narrating the tensions between human beings and the surrounding world, both natural and social. The balance that she strikes between perfection and irregularity summarizes human ambiguities and conflicts. Materials evoke memories while suggesting the origin of life. In all of Aranovich’s works, we experience the transcendent essences through an absolutely artificial presence.

Empatia Espacio de Arte

http://www.empatia-arte.com/

Marcel Duchamp

2008-12-29T22:22:00.000-02:00

Revista VARUA - Argentina, Diciembre 2008
Por María Carolina Baulo

Marcel Duchamp fue, sin el menor lugar a dudas, uno de los exponentes más interesantes que ha ofrecido el revolucionado panorama artístico mundial del siglo XX. Su forma de esgrimirse en el diario vivir fue tan provocadora y controversial como su obra. Para entender el quiebre que Duchamp introduce en el mundo del arte, es fundamental hacer un poco de historia.

The Armony Show-1913

Si pensamos en Duchamp como claro referente del Dadaísmo, debemos conocer en qué contexto nace Dadá. Este movimiento nace en 1916 -plena Primera Guerra Mundial- en el seno de la neutralidad suiza: más precisamente en el Café Voltaire de Zurich, propiedad de Hugo Ball y Emmy Hennings.
Desde allí se expande a Berlín, Hamburgo, París, Colonia, Barcelona y New York. De base literaria, -con su manifiesto redactado por el poeta Tristan Tzara en 1918- el Dadaísmo atrae a figuras de las artes plásticas, literatura, danza y música. Dadá goza de un espíritu antiartístico, antipoético y antiliterario. Surge como una reacción de los jóvenes artistas e intelectuales contra todo el sistema social-racional de valores y percepciones del mundo moderno que habían llevado a la humanidad al genocidio de la guerra.
El objetivo era concreto: acabar con las decepciones causadas al hombre por la razón, recobrar un orden natural y denunciar las trampas de los discursos sabios. El movimiento se manifiesta entonces en contra de conceptos totalizadores como la belleza eterna, las leyes de la lógica, la pureza de los contenidos abstractos, la inmovilidad del pensamiento, los “ismos” modernistas. Propone la libertad del individuo, lo espontáneo, lo absurdo, lo infinito, lo irracional, lo actual, lo aleatorio, la anarquía frente al orden, el sin sentido (la definición misma de la palabra Dadá es fruto de la casualidad y, literalmente, no significa nada).

Azar y Sorpresa
El Dadaísmo representa un modo de existir que suelda el quiebre entre el arte y la vida, negando toda historia pasada y cualquier proyecto de futuro, para así comenzar de cero utilizando los procedimientos sociales en el sentido opuesto que le fueran asignados. Ya no se busca representar, se busca presentar; las estructuras dejan de ser coherentes: hay azar, sorpresa, shock, la abstracción como práctica consciente, humor, ironía, sátira y un profundo carácter destructivo. Contando con artistas revolucionarios desde lo intelectual y desde lo formal en lo que a producción de obras respecta, el Dadaísmo cuenta con la creación de técnicas que cambiarían para siempre la concepción del arte.
Picabia, Huelsenbeck, Janco, Arp, Man Ray, Heartfield, Hoch, Grosz, Haussmann y Schwitters, entre otros, integraron el equipo vanguardista. La fotografía, el fotomontaje, el collage y los assemblages, así como la revalorización de los desechos poniéndolos al mismo nivel que aquellos que se dieron en llamar “objetos culturales”.

Cambio discursivo
Efectivamente y a la cabeza, encontramos los ready-made de Marcel Duchamp. Si debiéramos dar una definición a este término, diríamos que se trata de un objeto industrial seleccionado y presentado en un nuevo contexto, anónimo e intacto, declarado obra de arte, totalmente ajeno a cualquier valor estético y privado de su función original. A partir de este momento, el artista dadaísta ya no necesita ser “el pintor genio”.
El ready-made cuestiona lo formal, la pintura retiniana, pone en crisis el concepto de autor único y al pasar a un terreno de índole ontológico, se crea un espectador obligado a construir el sentido de la obra. El ready-made trabaja con la literalidad, la amorfia, la negatividad, la producción industrial, la serialidad, la indiferencia visual y la ausencia del deleite estético individual. Aparece entonces el gran debate y la pregunta del millón: ¿es esto arte?
La obra de Marcel Duchamp apela a un trabajo cargado de humor inteligente, profundo, gracioso, irónico, epistémico, plantea en sus obras juegos eróticos, se involucra con lo geométrico y las matemáticas y se deja seducir permanentemente por la ambigüedad y el cambio de roles llegando el propio artista a firmar ciertas obras como Rrose Selavy (claramente jugando con las palabras en francés: Eros c’est la vie, Rose c’est la vie).
La novia puesta al desnudo por sus solteros, (1920) es un claro ejemplo donde el tema del erotismo cumple un rol fundamental.
Muchas son las obras que comparten estas características, como los ya míticos titulados El gran vidrio y Étant Donnés -esta última montada por su yerno después de su muerte- dan especial importancia a la mirada del espectador y su relación con lo ambiguo, la sensualidad y la sexualidad siendo ambas obras de épocas distintas y soportes tan diferentes como la pintura plana y lo que hoy llamaríamos una “instalación”, respectivamente.
El escurridor de botellas (1914), primer ready-made propiamente dicho, Porqué no estornudar, donde también juega con lo erótico y la geometría, Un ruido secreto, In advance of a broken arm, son fieles ejemplos de aquellos ready-mades que entre 1913 y 1920 brotaron en cantidades.

Desnudo descendiendo las escaleras-1911

Pero es en 1913 cuando la obra de Marcel Duchamp comienza a destacarse en el plano internacional cuando en el Armony Show que se lleva a cabo ese año en la ciudad de New York, Duchamp presenta Desnudo descendiendo la escalera, obra pionera en la introducción de esos elementos que dijimos explotan en la producción del artista: el movimiento, la sexualidad, el desnudo, entre otros. La revolución que causa dicha obra es fenomenal, sin embargo hay que destacar que quienes descubren ese potencial son los norteamericanos y no así los europeos, donde un año antes, dicha obra era rechazada en el Salón de los Independientes de 1912. Duchamp introduce en este cuadro lo cinético, cambia la estructura del objeto, lo desarticula y altera su función. Es el movimiento generado por una persona, un movimiento mecánico similar al de una máquina. La presencia de la máquina es fundamental en la obra de Duchamp y esta visión crítica nos enfrenta a una realidad que el artista quiere poner en evidencia: al realizarlo, al moverse, la persona se transforma ella misma en una máquina.

La obra de arte post Duchamp
Se entiende entonces porqué Duchamp es recibido en Estados Unidos como uno de los más grandes representantes de la vanguardia mundial cuando en 1917 visita el país. Otro de los momentos que marcan un antes y un después, un momento bisagra en la historia del arte, cuando su obra La Fuente, firmada bajo el pseudónimo R. MUTT se presenta al público para desafiarlo. El ready-made duchampiano pone en evidencia que el arte es parte de un circuito institucional que nos dice qué debemos considerar como arte y qué no; evidencia el poder de las instituciones como formadoras de opinión y legitimadoras de un mensaje. Duchamp, echando mano de la reproductividad, la tecnológica y el público masivo al que apunta el objeto, contrasta fuertemente con la concepción burguesa que tanto aborrecían los dadaístas; logra poner frente a nuestras narices nuestros propios miedos y fantasmas.
Libros enteros se han escrito sobre el trabajo de este fenomenal artista de talentos múltiples. No es ninguna novedad que la obra de Duchamp será, entre otras cosas, el germen del arte conceptual posterior, el cual llevado hasta el extremo, llegará a trabajar con la desmaterialización misma de la obra.
Desde los títulos de sus obras, el artista nos introduce en un mundo discursivo completamente nuevo y desafiante para el espectador, nos obliga a pensar y a desafiar todo tipo de preconceptos y estructuras de pensamiento adquiridas culturalmente. Los títulos no son meramente informativos, son parte fundamental de la obra; son la obra.
Y aunque en determinado momento de su vida eligió dedicarse casi por completo a uno de sus grandes amores -el ajedrez- Marcel Duchamp ha sido y será referente y personaje que se presta a debate a la hora de analizar el desarrollo del arte contemporáneo. Sin establecer juicios de valor, su obra no puede ni debe ser ignorada y siempre respetada dentro del contexto histórico en que se inscribe. Vale destacar que más allá de lo que pueda decirse, escribirse y debatir al respecto, la obra de Marcel Duchamp ha dejado ecos que extendieron su onda expansiva como una piedrita en un arroyo. Entonces, nada volvió a ser lo mismo.

In advance of a broken glass. Para ser quebrado (del otro lado del vidrio) de un solo golpe, en casi tres segundos. Marcelo Gutman. 2007

La Fundación Proa inaugura su nueva sede en el barrio porteño de La Boca, presentando durante los días 20 y 21 de Noviembre, un Coloquio Internacional de Marcel Duchamp. A poco más de cuarenta años de la muerte del famoso artista, el proyecto dirigido por Adriana Rosenberg y Jorge Helft, incluye la exhibición Marcel Duchamp: una obra que no es una obra "de arte", curada por Elena Filipovic, la cual se desarrollará en la misma sede a partir del 22 de Noviembre hasta el 1º de Febrero de 2009.

Leon Ferrari: "The Musicians"

2008-11-27T22:07:00.002-02:00

Sculpture Magazine
December, 2008

http://www.sculpture.org/documents/scmag08/dec_08/dec08.shtml

León Ferrari & Bengdt Oldemburg (Curator of the exhibition at Braga Menendez Gallery)

Diversity is perhaps the best way to refer to Leon Ferrari’s art. The argentine artist left a profound legacy in the history of Latin-American art since he started in the 50´s. Diversity is expressed in the variety he chooses to produce his work: drawings, paintings, videos sculptures and installations among others. The variety is also present in the materials he uses as support: wires, plastics, wood, metals and glass; he works with paint, magazines, poetic quotes, animations and photocopies. Everything could become an art work in Leon Ferrari’s hands.

“The Musicians” integrate a group of sculptures that the own artist defines as monstrous. The material that shapes the disfigured structures is polyurethane, which its particular characteristic is to create a hard crust when it’s solid in the exterior, acting as a second skin for the creature’s bodies. But in the interior, a complex net seems to catch the big holes of emptiness that represent the soul of those characters. Ferrari, going the opposite way of a fine Renaissance sculptor, instead of approaching the piece from the outside trying to find the sculpture “trapped” within, he works by addition.

Violence, physical and psychological, has always been a main concern in Ferrari’s work. “The Musicians” relate with the constant presence of tragedy, war, desolation; their appearance, those mutilated and deformed figures, relate with some sort of cruelty such as the massacres of the past and present century or the collateral effects of that violence that impacts on humanity. All the tension, the exuberance and the ugliness are represented in those bodies in ebullition; the polyurethane freezes de exact moment when the bubbles, such as magma, erupt from its continent. And all that chaos finds its foundation in a perfect, solid, inner order that lies beneath.

This work is as committed as the ones he did decades ago denouncing the Vietnam War atrocities or the participation of the Catholic Church in crimes that attempted against the human rights. Here, Ferrari makes us face the cruel reality around us no matter in which part of the globe we are. Not only the “musicians and fancy ladies” are the main attraction, but the music that the artist specially selected to create the atmosphere that welcomes the audience – spectators. “The Musicians”, holding their instruments tight, create a mystic circle that integrates people walking by. They could look alike at first sight, but they are not. They are different from us and different between them; each one is an individual locked up in its own loneliness, a feeling those who live in the big metropolis could experience by being fully integrated but lonely at the same time. Where anything “different”, anything “freak” becomes attractive, scary and threatening all together. Ferrari picked Miles Davis’s music, the kind of music where breaking the tradition is the main idea, where there’s no comfortable place for the musicians or the audience to rely on and improvisation and melodic experimentation are the tools that inspire creation. While Miles Davis broke every rule of a “politically correct” music composer, Leon Ferrari works in the same direction: always trying to generate tense situations, searching for the awkward feeling and pushing us to reach deep introspection. Those creatures of an average man’s size, observe and invite us to be part of their show; from their “comfy” chairs and ready to start playing, as we get closer we realize they are not so lovely and colorful, they are not so comfortable either and we easily recognize the terrifying presence that reality that made monsters out of them; monsters playing an irritating symphony. Nevertheless, there’s still a certain resemblance with ourselves; we could identify that we also belong to that same unmerciful reality and that we could all, eventually, became its victim.

In October 2007, Leon Ferrari won the 52° Edition of the International Art Biennale of Venice.

April 22nd - June 7th , 2008
Braga Menéndez Contemporary Art
http://www.galeriabm.com/

Rob Verf-Sculpture Magazine

2008-09-19T13:13:00.001-03:00

Rob Verf - Braga Menéndez Gallery
October, 2008

http://www.sculpture.org/documents/sm-arch.shtml

Torso, 2000. Wood and acrylic paint, 30 cm.hight

Rob Verf was born in The Netherlands, a country that is famous for its artists. After moving to Argentina, his works continued to be exhibited in museums and galleries throughout Europe and the U.S.
The work in his recent work captures his perspective on life and sexuality, not as an erotic construction of reality but as a strong presence that influences us all: the constant contradiction, the seduction of opposites and the complementary, a balance between body and mind, the essence and the superfluous, the inner energy and the visible exterior. Verf tries to create a complete model and in order to do so, he turns himself into a complete artist: he’s a painter that also makes sculptures, constructions, drawings, photographs, and collages. Painting and photography allow him to find the way to present in another format the torsos he constantly manipulates in his sculpture: they become the protagonists in his overall narrative. Verf’s fascination with those torsos is almost obsessive, he approaches them again and again from various points of view, as if reaching for an inner essence that is ultimately unreachable.
Verf says, “When I make a sculpture-construction such as Woman in a mirror reflection, I do not only want to express the pose the woman is making, but also the energy that makes the pose. I want to use the total confrontation of the woman in front of the mirror: the interesting part in this sculpture-construction is the fact of it’s dualism between a two dimensional space (the mirror) and a three dimensional space (the figure). The painter’s and the sculptor’s vision go hand in hand.
Geometry is important in his work because its presence organizes that volatile space where the sculptures seem to be suspended in the air or reflected in the mirror. He uses telgopor, plastic, papers, magazines, drawings, and paint to create thse mobile objects floating in an imaginary sky inside the gallery.
To understand the coherence of Verf’s world, we must become a part of it: we have to participate in the illusion, play the game, share the irony. Verf combines his feelings, his doubts, his fascinations, his obsessions to show that the visual is always hiding something that lies beneath, something much more powerful than any representation of the outside world could provide. Verf is critical and invites us to assume a critical point of view. What we see may be the pure energy within the objects, or perhaps the contradictions that demonstrate that ambiguity is inevitable and we should look to both sides of the mirror to get whole picture, the complete moment.

VIGIL-Bruno Dubner / WHITE ISSUE

2008-08-03T14:11:00.003-03:00

Courtesy NEXTLEVEL Magazine, August 2008

http://www.nextleveluk.com/

By Maria Carolina Baulo

Abstraction and photography seem to be terms completely opposite. Such a thing as an abstract photography sounds paradoxical. Anyway, the photographer Bruno Dubner tries to find the way to link those concepts by constructing an image as abstract as it could be and putting the main emphasis in light and white. “There are several ways in which a photograph could look abstract: movement, out of focus, superposition, but it looks like it should always be the track or the sign of “something”. I believe photography goes far beyond the photographic take”, the artist said. In these works, Dubner obtains nothing but the light the objects photographed emit; that track or sign together with the power of hazard, clearly relates his work with the main ideas of the abstract expressionists artists he admires.
It is interesting the way Dubner finds to combine white with the meaning of vigil. Vigil refers to those moments you are unable to sleep, especially at night. And the night is the perfect environment for the artist to explore how photography could print the track of the light. Because when we say light we also refer, by omission, to dark or darkness; when we talk about white we also refer to its counterpart or to other colors. Light’s whiteness subsumes every other color as well as it brings us an entire world to our eyes while making things visible. Light could guide our movements and give us reference of time and space. But the artist is not interested at all in that kind of light.
Some time ago, Bruno Dubner started photographing the light penetrating his home at night, most certainly under the influence of vigil. The entire place turned into a dark room where light revealed several feelings and thoughts as well as created situations he never experienced before. He discovered they could only come clear to him under those circumstances where all lights where off and only the presence of rays penetrating the scene detonated a sensitive “domino effect”. He photographs doors, windows, walls; everything turns visible only because of the cars passing by in the street providing some kind of luminal source randomly. Dubner is also interested in the moonlight through the shades or just the lights coming out of the computer; everything is subtle. His Rolleiflex 6 x 6 cameras are his main company during those nights of intense vigil; long periods of exposure that in some cases could be of almost eight hours, bring out the result we appreciate in his “abstract photographs”.
What we mainly see is nothing but white, nothing but the process itself where the light creates abstract images. Even when those objects photographed could be easily recognized in a normal situation, the way in which Dubner´s camera captures them, make those objects represent figures we could relate to no certain referent at all. There is where the spectator gets involved with the artist’s work, because people could play with Dubner´s photographs whether using their fantasy to see whatever they want to see and being the ones who determine what is represented by the purity of white, or they could try to discover the real shape the artist hide behind white’s mysterious veil.

Jaime Moxey

2008-08-01T20:34:00.001-03:00

Buscando una verdad más abstracta

http://www.jaimemoxey.com.ar/

Si algo se destaca en la pintura de Jaime Moxey es la presencia del colorido en cada una de sus obras. Si bien su pintura ha cambiado con los años, siempre sigue conservando un estilo y una imaginería que permite reconocer fácilmente que se trata del mismo artista; se reelaboran conceptos, se presentan los personajes desde otra perspectiva, pero no cabe duda que es la misma mano la que produce las obras.

Aislamiento, soledad, individuos que se recortan en enormes paisajes que dejan ver su pequeñez. Pero también se contraponen aquellos trabajos donde priman las parejas y los grupos humanos interactuando, donde las personalidades tan distintas se transmiten a través de sus posturas y sus ropas, una suerte de segunda piel que nos hablan de los personajes y nos permite identificarlos y diferenciarlos. La cercanía entre ellos conserva una distancia que no permite el roce; no se tocan aunque pareciera que tienden a hacerlo. Con lo años, esa desconfianza que se presenta en las primeras obras, va bajando la guardia y los protagonistas parecieran mirarse desde un punto de vista menos defensivo y más abierto a recibir al otro.

Hay en la pintura de Moxey un fuerte referente a las imágenes cinematográficas de Hopper así como cierta reminiscencia impresionista en el trabajo al aire libre, la preponderancia de los paisajes y la luz del día, los juegos cromáticos, las pinceladas por momentos sutiles y por momento cargadas de materia que permiten reconocer el trazo, dejando por resultado el protagonismo de la textura.

El artista define su trabajo: “La pintura para mi es valedera como idioma, herramienta y también como fin en si misma. Mis imágenes transmiten lo directo, lo que son en si mismas y aparte, hay una realidad por detrás que quisiera interpretar una verdad mas abstracta”. Y ese es entonces el camino que Moxey está transitando, aquel que sigue buscando combinar una imagen que muchas veces puede presentarse frívola o ingenua, con la esencia que reposa en el interior de sus trabajos la cual tiene aun mucho por contarnos.
Maria Carolina Baulo

Obras: 1. Lecheras, 2007 / 2. Islas Lejanas, 2008 / 3. Pensativa, 2008

Gloria Arboleda "When Art is Something Personal"

2008-07-22T13:48:00.003-03:00

First Published, July 2008: Natcreole Magazine

http://www.natcreole.com/art.gloriaarboleda.htm

By Maria Carolina Baulo

Gloria Arboleda´s work represents an interesting point of view of this complex and always changing scenario we are living in the 21st century. Probably not even a post modern world; probably we still have no label for it. The truth is that variety is overwhelming and the themes of interest seem to multiply as we speak. But Gloria’s work is especially outstanding because she combines her interest for politics and social issues (as old as art itself) with innovating techniques. She present themes related with drama, violence, kidnapping, drugs, environment and social suffering; she criticises political issues and chooses to develop those subject by presenting them undercover. The artist deeply wants to become some kind of influence in the ideological thoughts of the spectator. She invites them to relate with her work and make a decision; she wants them to think.

The importance of her work is a 100% related with the fact that Gloria Alboreda is a Colombian artist. She never forgets that while she works. Her images look beautiful at first sight and when the spectator is caught by the piece, only then realizes that something more powerful lies beneath the combination of elements such as acrylics, engravings, large format digital drawings and strident colours that create the story (sometimes not a happy one). Every daily situation related with Colombia impacts in Gloria’s work, even if she didn’t plan it that way. The Betancourt situation, for example, is deeply bond to some of her works that denounces the guerrilla, unfortunately, still so important in the country. Her piece I’m not like you about the attacks performed by the FARC in Colombian cities, reflects that perfectly. Tirofijo, the leader, was the devil itself for the Colombian people. The artist said “… this piece emerges from the rage that causes watching how deliberated attacks by this guerrilla, tear apart an entire country”.

The artist captured the images of Colombia’s geography while travelling by plane over the Guaviare river, and turned those divine outlines she could see form the air into the roads followed by the most terrible violence where corruption, traffic of narcotics, the guerrilla and the gold exploitation take place every day. Maps are important in her work, they look like subtle drawings but the truth is they are the exact location of hell within the Amazons. In Swimming Prostitutes, she refers to the prostitution theme. Bureaucracy reflects the chaos in the remote regions of the country and the absolute lack of order. Sure Shot represent how the guerrillas totally invaded the area getting rid of the last nomad tribe in the planet, the Nukak Makú.

Gloria Arboleda believes art has a social function, and we could clearly see that in those works. She’s concern about information and communication, something that is supposed to bring people together and to make things easier, gets more complicated and manipulated by governments, among other. “Dealing with information and words, allows dehumanizing, not only conflicts but also people. The loss of ego comes along with the disdain for language, from and to the speaker. This happens with victims of a kidnap that have no chance to establish linguistic relationships with the kidnappers because the main goal the aggressor wants to achieve is to make the victim loose every sense of confidence in his/her ideas”, said the artist.

And for certain, the intense critics the artist makes to people’s passivity regarding certain levels of violence, highlights in every piece. In her work Pure Tropic 7, based on “Peace After the Storm” (1896), from the German artist Ferdinand Schauss, (1832–1916), she works with the figure of a man’s body, apparently abandoned on the beach after a storm. She makes analogies between fruits, animals and human behaviours, using oranges to represent people and a hen to represent their passivity while facing facts. Acrylic works perfectly as a fragile soul which breaks like glass, once again analogically, before the overwhelming facts.

For those who enjoy an exquisite work, fine lines and quality, Gloria Arboleda´s acrylics satisfy those goals. For those interested in looking beyond that shinny surface, there’s a story to tell, the story of a witness, of an artist, of a country in pain but also fighting to make its beauties prevail over evil.

Captions: 1. Changing the Story / 2. Tell me the Truth / 3. First Concern / 4. Pure Tropic 7 / 5. I´m not like you

arteBA´08

2008-06-17T16:11:00.001-03:00

By Maria Carolina Baulo

Courtesy Whitehot Magazine of Contemporary Art

http://www.arteba.org/

arteBA Contemporary Art Fair, turned into one of the most important cultural events in the city of Buenos Aires, and perhaps the most important one in Latin America in its category. Collectors and celebrities from all around the world visit the Fair every year. More than 30 international galleries participated in the 17th edition 2008, presenting their contemporary art options: galleries from Europe, US and specially Latin America (such as Brazil, Chile, Bolivia and Uruguay, among others). This year, the fair welcomed more than 120.000 visitors, even when sales didn’t highlight. The selection was a combination of emerging galleries and artists with outrageous not mainstream ideas and aesthetics, with the most prestigious and traditional galleries which presented their corpus of well known and solid artists.

The fair offered many interesting attractions such as conferences, debates, performances, installations. The Matching Funds Program (which gives money support to national museums to buy new art works) and the American Express Program (which donates money to the Museo Nacional de Bellas Artes of Buenos Aires also to buy a specific work) where two of the programs that participated this year.

The presence of the artist Malcolm McLaren, specially brought by Chandon, in an exclusive event prior to his presentation in Art Basel 08, was another of the main attractions.

Very interesting was the Tribute that arteBA´08 organized to celebrate the life achievement of three argentine vanguard artists Gyula Kosice (1924), Enio Iommi (1926) and Clorindo Testa (1923). All of them represent an entire generation, always seeking for revealing answers, questioning the status quo and never allowing their personalities to get lost in the groups they participated as artists. Debates were organized where the public could talk with the artists and present their own queries.

Black Box/ White Cube, the digital scenarios with virtual screens, also captured the attention of the audience. Basically video performances and digital animations of all types were presented. Many different aesthetic concepts took part in this initiative sponsored by Converse, with the idea of representing the avant garde of digital art; many countries participated such as Mexico, Brazil, Spain, Chile and Canada.
But certainly one of the key events was the Petrobras Prize for Visual Arts, 5th Edition. The Directors of the arteBA Foundation called for the 5th edition where one of the eight selected projects was awarded with the amount of $ 7,000 (argentine pesos). The idea was to use that money for its realization and exhibition at arteBA `08 at La Rural. Having been exhibited at the Fair, a second International Jury awarded the First Acquisition Prize with $ 30,000 and the Second Non-Acquisition Prize with $10,000. The prizes were awarded in situ once the works were finished. The Jury received more than 400 proposals, perhaps the largest participation ever. They selected the projects that looked beyond their own art works and also the ones related with the local art scene concerns. All the selected works presented diversity in materials, perception, concepts, imaginary, realization and procedures; none of them are trivial or regular, on the contrary they all assume a defying posture. Something brand new was that the winning piece was going to be able to be exhibit in a National Museum for a year, along with its own collections. Therefore, a new contest invited all the national museums of the country to participate. Mauro Guzmán (1977, Santa Fe) presented “Autocine Guzmán” (Guzmán drive-in movie theater) and won the first price. Marisa Rubio (1976, Buenos Aires) won the second price with her work “Quehué”.

The Chandon Young Quarter counted with 20 different proposals from Argentina and other Latin American countries. The criteria to make the selection of the galleries involved were not only the quality but the spirit involved in the art pieces. Also, the first edition of the “Under Construction” Award was released (name related with street signs at construction sites). The idea was to give money support to an artist younger than 30 years old and whose works were exhibited at the Chandon Young Quarter. The artist could then use the money for any art project he/she considered interesting. Giancarlo Scaglia from the Revolver Gallery (Perú) won the first price of U$D 2.500 and the argentine José Ignacio Pfaffen form the Cultura Pasajera Gallery (Rosario, Argentina) won the second price of U$D 1.500.
Finally, one of the most remarkable attractions was the second edition of OPEN SPACE. The galleries that participated exhibited large format works, installations and sculptures specially conceived to be presented in an open space. Proposals came along from Argentina, Uruguay, Brazil, US, Venezuela and Spain, and twelve projects were chosen. The concept was to choose works from different generations of artists with absolute different criteria regarding art, but they had in common the excellence in the realization. The chosen galleries and artists: 713 arte contemporáneo (Argentina): Eliana Heredia, Alvaro Castagnino (Argentina): Nora Correas, Baró Cruz (Brazil): Fabiano Gonper, Cecilia de Torres (USA-Uruguay): Gustavo Díaz, Dabbah Torrejón (Argentina): Silvana Lacarra, Daniel Maman (Argentina): Bastón Díaz, Del Paseo (Uruguay): Rimer Cardillo, Ruth Benzacar (Argentina): Ernesto Ballesteros, Durban Segnini (Venezuela-USA): Beto de Volder, Galería Sicart (Spain): Leonardo Damonte, Wussmann (Argentina): Luis Benedit, Zavaleta Lab (Argentina): Sigismond de Vajay

Rene Burri-A World

2008-05-01T14:27:00.000-03:00

http://www.ccborges.org.ar/indexi.htm
By Maria Carolina Baulo

A World; that’s the name of the retrospective that one of the most famous photographers of the XX century presented in Buenos Aires last February at the Centro Cultural Borges. The artist specially traveled to Argentina to be part of a presentation that puts together, in more than 350 pieces, the work of a life time.
Burri is one of those artists that goes everywhere and belongs nowhere. Born in Zurich, Switzerland, he took his first picture when he was only 13, with an old camera his father gave him. The person he photographed was the British politician Winston Churchill; not a bad start that’s for sure. His passion for photography just grew stronger ever since and during the 50´ he started working with the Magnum Agency. Magnum was funded in 1947 by the legendary journalists and photographers Robert Capa, Henri Cartier Bresson, George Rodger and David "Chim" Seymour and today it has four editorial offices in New York, London, Paris and Tokyo and around 60 members. Magnum Photos provides the press, editors, television, galleries and museums worldwide with exclusive images, but above all the artistic or journalist achievements, Magnum is still focused in its humanitarian spirit.

Rene Burri had the chance to travel around the world and he covered the most important events of the last century including terrible wars such as Vietnam during the 60´and 70´or Beirut in the 80´. He also photographed big social and political conflicts like the ones at the Suez Channel, Egypt, Iran or Mao Tse Tung´s China, among others. The interesting part is that he discovered the inner beauty within those critical situations humanity was going through. Rene Burri showed wonderful snapshots, captured fantastic scenes and nice faces in the middle of such terrifying moments. He also photographed famous personalities such as Richard Nixon, Dwight Eisenhower, Pablo Picasso, Ingrid Bergman, Le Corbusier, Maria Callas or Alberto Giacometti. But one of his most famous achievements was photographing the revolutionary leader Che Guevara, smoking his cigar in his office, back in 1963 in La Habana, Cuba. That image was published by every single important magazines and newspapers in the world.

The exhibition counts with the support of the Embassy of Switzerland in Argentina and it is the result of the hard work of the department of photography of the Borges, Magnum Photos, the curator Hans-Michael Koetzle and the artist himself. The highlight in this retrospective is that it includes images and documents never seen before. In 2007 the artist presented them at the National Museum of Fine Arts of the Habana, and lately at the former School of San Ildefonso, in México. Then the exhibition arrived to Buenos Aires. Those documents and unique images were not taken by Burri´s journalist point of view, but seeking an aesthetic result. Burri never showed those images before and kept them just for himself in a box. The curator said it took him 5 years to convince the artist to reveal them to the world. But that is not it, the exhibition also contains along with the photographs, collages, montages, documentary films, books and magazines. Anyone could appreciate and learn how the artist developed his visual language as well as his intention to be some sort of witness of the social, political and cultural issues of the world during the last 60 years.

While talking to Telam Agency, from the Argentinean press, Burri said: “Photography is everything and also it is nothing; perhaps I use the camera as a third eye trying to avoid getting crazy in this world". He combines all his interests in a complex personality: he wanted to paint, to draw, to become a cinematographer and also he was full of dreams and utopias and wanted to work photographing that reality. But on the other hand he had a family to support. “I also had an internal conflict with art; the Burri schizophrenia”, he said to Clarin newspaper.

Rene Burri shows simple; he’s fresh and nice while talking to people. He represents thousands of stories; you can feel the presence of some of the most remarkable and also terrifying experiences people lived in past 60 years only by looking at him in the eye for a moment. But he looks calm and welcomes those who approach him with questions and cameras to capture his image. And he never stops, even in his own exhibition’s opening night, he carries his small camera everywhere and once more he photographs the space around him and its creatures. I guess he’s comfortable and secure behind that camera and that is why he gives those artists that are just getting started a little advice: “I recommend to the young photographers to stand behind the scenes, to stand behind the play they are living”. Hopefully some of them get the message and capture part of Burri´s spirit so we could still see, not only human’s pain and anguish, but also human’s wonders and charms.

WHITE - http://www.ccborges.org.ar

2008-04-22T21:20:00.000-03:00

By Maria Carolina Baulo
Courtesy Whitehot Magazine of Contemporary Art
http://www.whitehotmagazine.com/

White is obviously a color. White could represent, for the occidental culture, the incarnation of every immaculate object we imagine. White could be the synonym of purity, integrity, chastity. White could be shinny and sparkling; white relates with everything that’s clean, fresh and tidy. But some other cultures do not feel they should bond white with those concepts but with some others that could be the exact opposite. White, sometimes, embodies death and mourning.
The WHITE exhibition, taking place at one of the most prestigious art centers in Buenos Aires until February, combines every aspect enclosed in each definition or association people make when thinking about white. More than thirty artists from different countries (most of them from Argentina, but also from other Latin-American countries and Europe) present a couple of works each, where they express the kind of relationship they establish with the idea of whiteness. Sculptures, paintings, drawings, photographs, installations; all types of artistic expressions have a place in the exhibition and the contrast between the different perspectives from which they approach the subject, turns shocking. Absolute opposite ideas, drastic points of view combining abstraction and figuration, all kinds of egos and sensibilities only linked by the proposal of the curators, Florencia Braga Menendez and Gachi Prieto. And the result turned out to be fantastic. White is everywhere, even in those works where it is hard to find some, the lack of white makes it highlight. “White is the medium; it’s a way to see, to be seen, to clarify; an enlighten way to take conscience. These works of art reduce, alienate the power of the eye and the light, they are silent works and at the same time they are full of virtual speeches. What matters is the adventure and experience of vision” said the curator Florencia Braga Menendez.
To define the exhibition and put some kind of label could be troubled and complicated. The first impression for the spectator is that variety domains the entire scenario. There’s only one thing in common and nothing else but it: the criteria to follow the indications of whatever the concept of white awakes in each artist. Every aesthetic and formal resource participates when it comes to make white’s omnipresence something obvious. White is everywhere. White appears as the opposite of black, as the alter ego of blindness and as the most powerful representation of the unique color that could assume all the other at the same time. Wherever there’s light, white is present; wherever there’s darkness, white is present by omission. Each one of the art works (almost a hundred pieces) tells a story independently; they would never share the same room in another situation. But when the spectator starts walking around, finds the inevitable connection that gathers them together. Differences turn into interesting points of view that reflects those multiple interpretations humans have of every single concept or idea. Something that seems so simple, such as the task to represent white (whatever that means), suddenly turned the scene into an arena where the most different ways to understand the proposal, could share and relate in the same habitat; an arena that doesn’t look at all as a roman circus but a place that allows the “other” to co-exist. Completely radical ways of thinking, working, creating that invite us to know multiple phenomenal interpretations.
As the curator Braga Menendez said, “the tension is focused in white and everybody is dancing at their own pace, the same song”. So, the entire exhibition seems to be acting as an enormous mirror where it would be great we could see our reflection and learn how to act in “real life” with such tolerance between each other. Wouldn’t it be great?

Artists: Alejandro Dron / Alejandro Tosso / Ana Lizaso / Andres Sobrino / Andres Waissman / Blas Castagna / Bruno Dubner / Carlos Herrera / Carmelo Arden Quin / Chino Soria / Cristina Schiavi / Eduardo Stupia / Elba Bairon / Hernan Salamanca / Irene Banchero / Juan Andrés Videla / Karina Peisajovich / Katinka Pilscheur / Leonel Luna / Lux Lindner / Maria Luisa Mac Kay / Marina Sábato / Martín Di Paola / Pablo Lozano / Pompi Gutnisky / Rafael Gonzalez Moreno / Rob Verf / Tulio De Sagastizabal / Verónica Di Toro / Vivi Zargon

Captions
1. Leonel Luna, Angel
2. Eduardo Stupia, Landscape
3. Bruno Dubner, S/T
4. Andres Sobrino, Three Photographs

Andres Sobrino

2008-02-24T22:16:00.003-02:00

By Maria Carolina Baulo
Courtesy Sculpture Magazine - April 2008
http://www.sculpture.org/

The Contemporary Art Gallery, Braga Menéndez, recently gave us the chance to get involved with Andres Sobrino´s designs; a young talented argentine artist that studied architecture, graphic design and communication.
The installation might look like a retrospective where he presents pieces such as “Heaven and Hell”, 2001 (while hell is a black square based in a formula discovered by the English mathematic T.H.Willcocks, where 24 perfect squares could integrate to become one, heaven, even if forms were calculated according to the aura section, never reach perfection); “Diffuse Photographs”, 2002 (the idea is to keep the image out of focus so as to capture the light objects reflect); “Assimilation of the Circle”, 2004 (interesting proposal that demonstrates that square figures could turn into a perfect circle); “Crosses”, 2004-2005 and “Diagonals”, 2006-2007 (the artist breaks the rigid organizations with black and white diagonals that “cancel” or “deny” the function of those formal structures). And finally text, “Junk mail”(also playing an important role by defining what formalism and concrete art is about in Ad Reinhardt´s words).
Andres Sobrino exhibits almost a decade of hard work developing autonomist ideas, now interacting while sharing the same space and trying to make some room for each message to be expressed, and avoiding the almost common tendency where the most pregnant designs capture our attention and subsumes all the rest in the shadows. Something is obvious when we look around the installation: Sobrino knows very well what contemporary art talks about. His inspiration is back in the late 20th century, assimilating techniques as well as the working philosophy of conceptual artists such as Blinky Palermo or Imi Knöebel. But conceptualism and concrete art isn’t something easy to understand or even like. Abstraction demands us to swim inside the artist’s mind and try to match our feelings with the ones the artist is communicating through his work. But also, abstraction makes us search in our own mind because we could choose just to consume the powerful geometrical figures painted with dramatic contrasts, or we could defy ourselves to dive deeper and find out what really happens to us in front of some of those colorful matrixes. The artist uses common industrial materials to create his works: paint, synthetic enamels, varnishes and transparent lacquers, epoxy, wood, zinc, aluminum, vinyl, different sort of plaques, multi laminates. Excellent combination to relate the spectator with his art. Sobrino feels comfortable with those simple materials rather than using the traditional ones; and there lies the paradox: casual material used to express sophisticated messages that demand our compromise to be able to capture the essence. Simple things lead us through complexity.
He said: “It is hard to talk about my work, but I guess I’m close to conceptual art, formalism, concrete art, abstraction and color (…) Design helped me to find my road.”. It certainly did. Andres Sobrino has such a wonderful sensitivity that could balance concepts with pragmatism; he could create an environment where geometry seems to repeat patterns but when we look close, each design refers to a different story. Sobrino combines every possible conceptual influence with the gestalt theories that bonds our most primitive perception structures with the geometrical universe he creates. And we feel secure somehow, even while facing that mysterious world, we feel free and contained in those forms.

Braga Menendez Contemporary Art, Buenos Aires, May-July 2007.

Duchamp in Buenos Aires - http://www.duchampenbsas.com.ar/

2007-12-17T20:19:00.000-03:00

By Maria Carolina Baulo

Courtesy Whitehot Magazine of Contemporary Art

http://www.whitehotmagazine.com/

Marcel Duchamp was certainly one of the most famous representatives of Surrealism and Dadaism. Every task or goal he wanted to achieve in the art field, as well as in daily life, was outrageous and controversial. He was a man full of secrets and hidden talents, and one of those talents was his passion for chess.

Buenos Aires is actually celebrating Duchamp´s first visit to Argentina, 90 years ago. In order to honor him, several argentine artists gathered together to present their works in a tribute. This unique exhibition presents, as the main attraction and for the first time ever, an unedited document where Marcel Duchamp himself, took notes of a chess match played in France.

The exhibition is focused on Duchamp´s ability to play chess, a skill he developed during his stay of nine months in Buenos Aires. Unfortunately there is very little information about those months, even though the information available is enough to show his obsessive compromise with chess.

The document consists in a technical data card of the chess match that took place in Paris between Marcel Duchamp and the great argentine chez player Valentín Fernandez Coria on July 19th, 1924, during the first (and last) International Chess Tournament – Olympics. This manuscript, handwritten by Duchamp, has also his signature as well as the argentine’s player flourish with the certificate that certifies its veracity. The importance of it is to highlight Duchamp´s main activity during his visit in Buenos Aires: he played chess almost every night, becoming a “chess maniac”, as he said once.

“Duchamp considered chess as a work of art; almost like a sculpture because creation started in the mind to turn later into something the artist could build with his hands. In a very short time, Duchamp started an interesting career playing chess, he was even internationally awarded; and that career started in Buenos Aires when he was 31 years old. He even said he learned with the best argentine teacher, but never mentioned his name”, said Marcelo Gutman, the curator of Duchamp in Buenos Aires.

The document had an amazing journey since the day Duchamp signed it: his friend Tristán Tzará kept it for years and later gave it as a gift to the argentine surrealist poet Juan Andralis, who later gave it to the artist Hermenegildo Sábat, who actually owns the manuscript and exhibits it in this tribute, in public, for the first time.

Duchamp in Buenos Aires presents as well, art works especially made for the occasion by three generations of outstanding argentine artists such as Xil Buffone, Eduardo Costa, Max Gómez Canle, Guillermo Gregorio , Marcelo Gutman, IMaDuBA (group of artists), David Lamelas, Emiliano López, Emiliano Miliyo, Esteban Pastorino , Gastón Pérsico, Provisorio Permanente (group of artists), Nicolás Radano and Axel Straschnoy. There’s a variety of paintings, photographs, objects, installations, drawings, sculptures and music to enjoy.

The exhibition runs form November 8th, 2007 until January 31st, 2008. Fondo Nacional de las Artes-Buenos Aires, Argentina.

A Conversation with Karina Peisajovich

2007-11-30T14:37:00.000-03:00

Sculpture Magazine - December 2007
http://www.sculpture.org/documents/scmag07/dec_07/dec07.shtml

Karina Peisajovich was born in Buenos Aires, Argentina in 1966. Her approach to art theory and practice begins by studying at the National School of Fine Arts Prilidiano Pueyrredón between 1984 and 1988. Three trips would be crucial in her career: the first one at the beginning of the 90´s when she visited the United States and Europe, where she gets in contact with the matrix of every inspiration that seemed to be so far away and distant. In 1995 she participates in the Kuitca Scholarship and in 1998 she starts working with the light works. One year later, she makes a second trip back to the US where she participates in a residence for international artists, ART OMI. In 2001 she receives an award from the National Fund of Arts and Fulbright Commission, to participate in a new residence in New York, the ISCP (International Residency and Curatorial Program). This third trip made her stay in the Big Apple for a year and a half, taking advantage of the international scenario that was opening its gates right in front of her eyes. She returned to Buenos Aires in January 2003, where she actually lives and works.

Peisajovich is open to spontaneous, ephemeral and even hazardous situations, as well as the constant fluctuation between what is real and what an abstraction. She creates environments that compromise and transport us to fantastic sites with an enchanting aura embracing the entire work of the artist. Karina invites us to imagine those invented worlds, where fabulous chromatic dialogues welcome the spectator to an experience developed here and now; an experience that disappears as soon as the light illuminates the salon. The materiality of the work, remains unseen in the darkened gallery. These amazing scenarios that our minds away, if only for a few moments, from a reality that sometimes seems unbearable, encouriging us to exercise our ability to dream. Peisajpvich solo shows include "Fade" at Galeria Braga Menendez in Buenos Aires and "Paisaje Doméstico" at Casa de America in Madrid. She also participated in numerous group shows, inluding the Lodz Biennal and the exhibition "Surface Charge" at the Anderson Gallery, at Virginia Commenwealth University in Richmond.

MCB: How did you get involved in the art world?
KP: To become an artist wasn’t something I planned. Since I was a little girl, I always participated in activities related to art: I took piano lessons and dance classes, and somehow, I think, it developed naturally.

MCB: Do you feel art chose you or was it the other way around? Is there a story behind this choice?
KP: My profile as an artist took many different roads that influenced one another as time went by. Sometimes the influence came from unexpected situations such as studying battery, taking classes with an electrician or participating in a seminar of the history of rock and roll. I have this constant feeling that something that begins as simple curiosity, conspires to finally turn into a work of art. The years I studied at the National School of Fine Arts were those first fragile years when democracy was recovered in Argentina. During that time, I got deeply involved in the underground scenario which was one of the most interesting cultural things happening in the city. In 1992 I went back to my painting, but it isn’t until the end of the 90´s when I started making my first experiences with lights.

MCB: How would you define yourself: as a plastic artist, a painter, a sculptor?
KP: I prefer to define myself as a visual artist. I guess that definition allows me to think about my work freely.

MCB: What role does sculpture play in your production?
KP: I think about sculpture as the irruption of space in a certain material, and vice versa. If sculpture is associated with objects, it’s hard for me not to feel this definition far from my work. My installations use space as a “form” and this space create a new body with a volume of its own. Sometimes I even design specific sites for each work.

MCB: What do you think that the third dimension allows you to express that you wouldn’t be able to represent in any other plastic way?
KP: It allows me to manipulate the space and real time. The third dimension expressed in two dimensions, is still a selection, a window that traps the images of the world in time and space. When I started working directly in the space, I realized I could express other ideas that were impossible to imagine in two dimensions. When I transfer my paintings from the canvas to the wall and then to the architectonic scenarios, I decide to make a turn in my work, based on the tensions that relate the representation with its own possibilities. The work of art emerges from the intersection of the architectonic space and the space of the representation. The work of art becomes what it really is.
On the other hand, working with real space allows me to include the spectator in the project. The spectator becomes the theme and substance. For example, when I’m working in the design of an installation, I imagine the spectator’s eyes and the possible moves within that space. I make sketches, drawings and scale models, always keeping in mind all those possible movements. Space invades the perception field, which is larger than the visual field.

We want to highlight that space, no longer bi-dimensional, and which compromises the spectator. Regarding the light works, so typical in your production, what are they telling us?
When I create an installation, I use the space as a battle field where all the elements I used to use in my paintings, interact. The difference is that in the installation, I start working in the dark. Darkness as a state of light and shadow as a level of obscurity. Obscurity attacks the light and volume emerges, but that volume doesn’t really exist. Light becomes a brush stroke that spots the wall. The wall looses its definition because of the shadow. Real space starts looking like something else. The eye gets anxious. These unstable situations are part of the mechanism of the work of art. My work takes place in time, using special devises that activate and graduate sequences that determine when lights go in or out. The work of art mutates making the images and time become one.

My works, sometimes conceived for specific architectonic spaces, inherit the space of the Renaissance, but they don’t contemplate an audience located in a safety and commensurable place. On the contrary, I invent situations in the space held by geometrical forces that try to alter and dissolve the main constructive lines in the room. In some way, I feel like an artist of the beginning of the XX century.

María Carolina Baulo

Guillermo Srodek-Hart

2007-11-02T23:15:00.000-03:00

VIEW CAMERA - USA

http://www.viewcamera.com/
November-December 2007

Guillermo Srodek-Hart was born in Buenos Aires, Argentina in 1977. In the late 90s he studied lithography but it was in 2001 when he discovered photography while studying at the School of the Museum of Fine Arts in Boston. There, he met a photographer that became one of the most important influences in his professional career as well as in his personal life. The photographer was Jim Dow, who once studied with Harry Callahan and worked for Walker Evans, and was teaching History of Photography and Large Format by that time. Guillermo started attending his classes and assisting him in his trips across the USA. Guillermo Srodek-Hart certainly felt inspired by the way Dow worked, by his passion and love for journeys and especially the connection he could establish while meeting the local people in every small town he was photographing.

To define Guillermo Srodek-Hart´s work, it is necessary to share, or at least try, his deep empathy with the rural world and his constant intent to capture the essence of the popular scenario, always present in the local iconography: “I am interested in photographing interiors that reflect the way people display objects destined for consumption in a devotional manner”, he explains. The “way people display objects” is definitively very different from the “ways” of the big urban communities. Nevertheless, each town that seemed to be lost in the middle of nowhere, each interior he photographed, each devotional icon chosen by a small group of people isolated from the metropolis, also represents the richness of their thoughts and profound sensibility. An exquisite sensibility so many times underestimated by the dominant, asphyxiating and overwhelming city culture. The only way we could understand different points of view is by opening our hearts and minds to let those differences seduce us. What we might discover could be, not only challenging but extremely creative. It could also teach us there are thousands of stories hidden in mysterious sites, besides the ones our occidental culture narrates.
Guillermo Srodek-Hart is actually in Boston doing an MFA in photography at Mass College of Art. He was the 2006 recipient of the Klemm Award and the Petrobras Award in Argentina, and participated in more than 20 exhibitions since 2003, both international as well as in those towns he photographed (Buenos Aires, Cordoba, Salta are just a few in Argentina; Boston, Framingham, Attleboro, Toronto abroad). His professional practice includes works in the Martin Chambi archive in Cuzco, Peru, 2005; Producer and assistant for the show “The Disappeared” at the North Dakota Museum of Art; Jim Dow’s personal assistant in 2004 and Roswell Angier’s in 2003.
His work has been published by several international magazines such as “Urban Planet” magazine, The Boston Globe, Art Matters Magazine, and Boston Magazine, as well as the major newspapers in Argentina.
Following are four photographs that express the artist’s conviction and commitment to reveal, in front of our eyes, the surreal world behind the rural imaginary.

Ancient Stories and New Points of View

2007-10-28T19:22:00.000-03:00

Ana Mazzoni

Article published in Fiber Arts Magazine

http://www.fiberarts.com/default.asp

Ana Mazzoni lives and works in the same town in which she was born in 1951, Cordoba, Argentina. She got involved in the art field when she was young; her formal education began between 1969 and 1973 at the School of Arts of the National University of Cordoba. There she learned academic and formal issues, but also started developing a personal search related to images, techniques, and sensitivity—the kind of search that never ends, in which creativity becomes a way of life.
Textiles and teaching have been present her entire career. Around 1977 she started giving art classes, which she continues today. In 1983 she attended several courses with different professors, trying to nurture her knowledge about textiles. Finally, between 1999 and 2001, she completed her studies at the Lino E. Spilimbergo School of Arts. She discovered that textiles were the exact medium that suited her interest in ethnographic concepts, in ancient stories and new points of view. For Mazzoni, textiles communicate their message through textures and colors, interacting as do steps of a romantic dance, combined to make a beautiful performance.
Mazzoni creates both tapestries for the wall and clothing for the body. The designs are quite simple, they come in only one size, made of cotton and sheep threads combined with synthetic fibers used in the details like “fantasies”. The waistcoats (“chalecos”) and coats were weaved in warps in horizontal positions. The fabric has no cuts; it is one entire piece, with final touches given by needle pricks that complete the cloth, providing also the elasticity needed to fit the body while wearing it. The skirts (“faldas”) are also weaved in horizontal warps but the artist uses here two rectangular fabrics bond by the sides but elasticized in waist and hips. Her art to wear is simple in structure and design but always avant-garde. Each garment has a unique story as well as each one of us have our own unique story. These functional objects not only give comfort as clothes but also allow the wearer to, in some way, become part of the artwork while wearing it.
In 2003, Mazzoni remodeled her home, transforming her “house-atelier” into a center of textile art (Centro Integral de Arte Textil, or CIART). It is a place where culture can flow freely, a space where the main goal is to provide both basic and specialized training in two- and three-dimensional design and textile techniques. The artist also created a textile art gallery in which she plans to open a textile museum that presents collections related to art by the Mapuche people and art of the Andes and Amazon.
Ana Mazzoni is always searching for new experiences. She chooses the techniques and materials for each particular work according to the images she wants to represent. She sees the image as the ground in which expression lies; she is always careful not to lock the concept inside the form but sets it free to communicate. South America is the main source of inspiration for her projects. As she explains it: “Bolivia is full of surprise, emotion, the tearing scream of geography, the mystery empowered by the values and essence of the cultures, a mixture that relates everything and admits no exclusions, a place that captivates with the magic of its overwhelming realism. . . . I love [South] America’s unrestrained color: popular, naive, parallel, peripheral, magical and mysterious. My work has been and still is homage to those anonymous artists of that great culture where sometimes I’m allowed to penetrate with a curious and respectful point of view.”

Maria Carolina Baulo

Construyendo el Kado de un Artista

2007-09-19T22:31:00.000-03:00

Eduardo Capilla
http://eduardocapilla.blogspot.com/

Si hay algo que puede destacarse con orgullo como patrimonio de las culturas orientales y las sociedades precolombinas, es la intima comunión entre todo principio rector de la vida y los seres vivos en cuestión; no existen pueblos que asuman un compromiso aun mayor por mantener el equilibrio cósmico entre la tierra, sus habitantes, el cielo y el universo en su totalidad. Hoy día, es notable y gratificante encontrar que la maquinaria positivista determinista occidental, no ha logrado subvertir ni liquidar, las relaciones de fuerzas: la naturaleza sigue ejerciendo la supremacía del poder sobre el hombre. El sentido de la evolución lineal, evolución entendida como “progreso”, lejos está de representar la ideología y el sentido de pertenencia de aquellas culturas ligadas a una cosmovisión donde se plantea una relación dialéctica entre las partes y donde nunca el sentido es unidireccional sino un constante y cíclico recorrido que se retroalimenta en forma permanente.
Solamente desde una óptica que comprenda al hombre y su entorno como unidad, podemos abordar la obra de Eduardo Capilla. Porque sería muy sencillo perderse en la multiplicidad creativa que Capilla presenta a lo largo de su carrera, si no se tiene en mente, como un imperativo categórico, el vínculo que el artista reconoce tener con la naturaleza. Dentro del campo de las artes plásticas, el artista pasó por distintas instancias que le permitieron experimentar la diversidad: caminó los senderos del arte figurativo, el arte abstracto, jugó con los monocromos, forzó la relación sujeto-objeto hasta el límite, logró desvincularse de la tiranía del binomio figura-fondo y dio supremacía a los contenidos y las ideas para abrazar, oportunamente, el arte conceptual.
Pero quien se enfrente a su última producción (una serie sin nombre, quizás por elección o talvez ni siquiera sea necesario tenerlo), si conoce la obra del artista y ha seguido sus pasos, no podrá más que asombrarse y emocionarse ante una propuesta inesperada. Asimismo, quien por primera vez se acerque a su trabajo, se sentirá revitalizado por la frescura y exquisitez de las obras.
Su obra se enmarca dentro de esas corrientes que solamente pueden comprenderse si nos corremos del eje lineal y vamos por el terreno de una “evolución dialéctica”. Entonces, ya no es necesario desentenderse de las formas geométricas, los contrastes cromáticos, los recursos de estilo, para plasmar en la obra que esas relaciones pueden estar presentes y aun así ser cuestionadas; su propia presencia hace evidente el conflicto. Eduardo elige recuperar aquello de lo que supo ir despojándose a medida que se construía como ser humano (e indefectiblemente como artista) y a partir de contar con todo el material disponible dentro del lenguaje plástico, se reinventa, resignifica los mensajes, repone los márgenes y soportes de sus obras y reelabora los paisajes de las historias que nos cuentan sus cuadros. Ya no es necesario apelar a un solo color sino que se hace imperante la explosión cromática representativa de la infinidad de colores que gobiernan nuestro entorno. No es necesario perder el referente del tiempo y el espacio sino que, por el contrario, es importante poder hacer un recorte y sentir que uno reconoce un espacio que contiene al relato. Tampoco las figuras quedan sometidas a las sombras, relegadas y hasta desaparecidas brillando por su ausencia, sino que pasan a ser protagonistas.
Sin embargo, esta serie no nos enfrenta a un revival caprichoso del artista; no es echar mano a una “etapa figurativa superada”. Quien piense de ese modo la obra, difícilmente pueda alguna vez aprehenderla y mucho menos disfrutarla. El artista dio un paso más allá de la controversia en la que muchos artistas quedan encerrados; problemática que lleva a un círculo vicioso donde se plantea la necesidad de generar cambios permanentes, cuestionarse todo el tiempo y hasta negarse en pro de una búsqueda por marcar una diferencia. Siempre cambiar. No dudo que el cambio, la crisis, el balanceo entre el caos y el no-caos es altamente positivo para la humanidad en general y para el artista en particular, pero no cuando se presenta como una etiqueta representativa de lo que debe ser un “buen artista”, sobre todo en esta era ya posmoderna. No necesita ya de esos giros radicales, forma parte de aquellos otros que reflexionan sobre ese pasado remoto y este presente que deviene futuro a cada instante. Tiene la capacidad de poder ejercer una lectura crítica sobre su propia obra y volver a nutrirse de aquellos recursos formales que oportunamente había dejado de lado y hoy le vuelven a servir como herramientas fieles que supieron esperar el momento adecuado para hacer acto de presencia.
La figuración se hace claramente presente: podemos reconocer en estos cuadros de diversas dimensiones, geometrías concretas, construcciones, bosques, mares, cielos, personajes interactuando. Pero al acercarnos a las obras, al cambiar el punto de vista, si se nos pidiera que pongamos en palabras lo que estamos viendo, difícilmente podamos encontrar dos relatos iguales. Un elemento solamente tiene el privilegio de destacarse y sobre el cual no cabe duda y todos podríamos coincidir: hay una presencia contundente e ineludible en cada una de las obras y esa presencia es la del pintor. Eduardo Capilla está en presente en el delicado tratamiento del material, en la factura, en la tensión de los trazos marcada en los óleos, todos vehículos que van dibujando un campo perceptivo que varía acorde a la ubicación del espectador respecto de la obra. ¿Un juego óptico?. Puede ser, pero sin dudas es un entramado donde la vibración del color se entremezcla con las formas creando distintos planos dentro de cada obra. La fuerza de la impronta nos cuenta por un lado un paisaje y por el otro nos devela el hechizo haciendo presente el artificio del artista. De cerca, esas construcciones geométricas, esas retículas que denuncian la mano del hombre, parecen quedar en un segundo término quizás hasta deslucido si se compara con la magnificencia de la naturaleza representada. Naturaleza que se presenta superadora de aquellos limites; naturaleza que vemos manifestarse en libertad, volátil, incontrolable. Una naturaleza que creemos reconocer en forma de flores, mariposas, aves, agua, nubes, y aun así no podríamos decir ni a qué flores hacemos referencia ni a qué escenario de la realidad remite. La figuración que el artista recupera está dotada de una cuota importantísima de fantasía e invita al observador a participar de un juego lúdico donde debe dejar de lado las correspondencias habituales para sumergirse en un mundo donde se le permite crear sus propios protagonistas y ver flora y fauna si lo desea o quizás convertirlas en pétalos al viento, hojas, plumas, o aquellos nuevos seres que su imaginación le dicte.
Nos habla de sus obras y su trabajo haciendo permanente referencia a esa comunicación que mantiene con su entorno, sintiéndose responsable de sus actos y entendiendo su trabajo como un compromiso que involucra no solamente al artista sino que demanda una actitud espiritual de gran concentración y comunión. Va buscando la forma de plasmar en el exterior una forma que nace desde el interior, lugar desde donde brota la esencia: única y verdadera fuente de la vida. La clave reside en comprender que aquello que viene de adentro determina el afuera cuando el afuera solamente condiciona el adentro. Busca entonces esa convivencia entre las partes integrantes de este mundo, emulando la supremacía de la naturaleza y buscando permanentemente ir construyendo un camino, su camino, a medida que va andando. Un camino con pasos hacia delante y otros hacia atrás, con aparentes contradicciones pero que son en realidad formas de repensar esa construcción que se va desarrollando a cada momento. El camino de los artistas es muchas veces duro el del artista, quizás por momentos traumático y conflictivo, pero sin lugar a dudas revelador, creativo, edificante y trascendente. El kado que Eduardo fue trazando a lo largo de su vida, nos habla de una persona que permite que su sensibilidad sea quien marque sus movimientos a seguir, dejando que la voz de los dogmas y las leyes del conocimiento pasen a un segundo plano; una sinfonía donde la emoción le gana a la teoría. Y nada más gratificante que ser invitado a emocionarse…
María Carolina Baulo

Entre lo Apolíneo y lo Dionisiaco

2007-09-08T12:25:00.001-03:00

Marisol San Jorge

http://apolineoydionisiaco.blogspot.com/

Marisol San Jorge nació en Córdoba, en 1972. Su formación artística, teórico – práctica, fue nutrida estudiando Física, Matemática, Astronomía, Dibujo Publicitario y Artes Plásticas; pero lo interesante de su producción es que supo amalgamar sus conocimientos racionalistas con lo inconmensurable e impredecible del mundo espiritual. Y crea entonces un mundo donde la presencia del ritual se convierte en protagonista; el ritual entendido como un corpus de acciones vinculadas desde lo simbólico. La artista elige trabajar con la combinación de múltiples materiales sensibles: la pintura, las instalaciones, las esculturas o los objetos. Objetos, aliados la hora de representar una escena digna de una experiencia cercana a los ritos ancestrales: elementos como las cenizas, tierra, piedras, carbón, madera, arcilla, dientes, insectos, combinados con otros tantos de una factura industrializada: terciopelo, ropa, cintas de tela, tinta china, lápiz. Una vez más, la mano del hombre sumado a lo que escapa a su pequeño circulo de control.
Marisol San Jorge debate su producción en un permanente diálogo; maneja binomios tales como la vida y la muerte, lo eterno y lo efímero, la luz y la oscuridad, lo aparente y lo oculto. Establece un dialogo permanente, un juego de roles entre lo que destruye y lo que es destruido, entre el hombre y la naturaleza, entre los dioses y el hombre, entre el lenguaje de los cuerpos y el abecedario, entre los límites fronterizos y la abrumadora presencia de las ruinas. Dialéctica. “Me cautivan los materiales simples, orgánicos (…). Me gusta realizar mínimas intervenciones sobre o con estos materiales...”, dice la artista. Los materiales simples a los que se refiere se tornan complejos en su interacción con otros y con el otro que siempre cree gobernarlos: el hombre mismo. Tal como dice San Jorge, las intervenciones deben ser mínimas porque la fuerza del mensaje es inherente a la esencia de los objetos que utiliza. La austeridad, que a nuestros ojos posmodernos puede representar una “simple piedra”, lejos está de serlo. Hay que focalizar la mirada desde otro punto de vista para dejar de ver la piedra en sí y acceder a ese costado simbólico, casi mítico, que nos permita entender la relación existente en los elementos que componen las obras. También el rol que ocupa la ropa es fundamental en su producción, porque la artista decide modificarla, cocerla, intervenirla, la retuerce, deforma y forma con ella, nuevas estructuras que se entrelazan y cobijan a otros materiales. Ya no son envases de nuestros cuerpos, ya no hablan de la identidad de su portador, ya han perdido su función original para resignificarse. La ropa empieza entonces a fundirse con la naturaleza y se potencia, porque la magnificencia del natural, si bien pone en evidencia “La Insoportable Levedad del Ser” (en palabras de M. Kundera), es esa misma presencia magna lo que la enriquece.
Las obras de San Jorge unen historias, vinculan mundos, participan tanto de los procesos creativos con sus correspondientes criterios selectivos racionales, como de los trances rituales donde se mezcla el amor en todas sus formas, la locura, el peligro, el frenesí, el éxtasis, la ilusión, lo fantástico, lo primitivo y lo contemporáneo.Citando las palabras de F. Nietzsche, Marisol San Jorge nos propone una danza que busca su permanente equilibrio, entre lo “Apolíneo y lo Dionisiaco”.

Maria Carolina Baulo

Alejandra Tavolini - Damien Hirst

2007-08-29T15:39:00.000-03:00

About the Study of the Protagonists

SCULPTURE MAGAZINE
http://www.sculpture.org/documents/sm-arch.shtml
September, 2007

If there is an artist that turned into a paradigmatic character in the contemporary art world, that would be Damien Hirst. During the 90´s, he presented the series Natural History, where real dead animals were placed in big crystal containers; animals such as a shark in The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living (1991), a sheep in Away from the Flock (1994), a cow with its calf in Mother and Child Divided and a pig in This little piggy went to market, this little piggy stayed at home (1996).
Back in 2007 and thousands of miles away from England, the argentine artist Alejandra Tavolini, emulated Hirst´s work by recreating Natural History but using puppets instead of dead animals. She reduced the scale almost to its minimum and placed in small crystal urns, also filled with formol, all types of puppets as vivid reproductions of those cows, pigs, sharks, sheeps used by the British master.
About the Study of the Protagonists has an antecedent: the series Fauna developed since 2004, where puppets were created based on a conscious investigation of the real animal’s anatomy. The artist established different stages to define the entire process: The first stage was focused in the elaboration. The puppets were totally black and the main features were just suggested. The special distribution of the padding, gave the animals a certain look of weakness and lack of vitality. In addition, they were treated with cutting elements, violently slashed and also crashed into the ground while the process of assemblage was taking place. The artist tormented those puppets as the real creatures were tormented by all kind of disgraces in their natural life. In a second stage, another group of puppets suffered new physiognomic changes: their bodies mutated, heads multiplied and extremities were modified as if they were under the effects of “genetic diseases”.
About the Study of the Protagonists turned puppets into “scientific objects” from the very moment they were immersed into formol and exposed to the scrupulous sight to judge them. But there isn’t just a scientific interest in this investigation; it is also an invitation to meditate about the artist situation in the contemporary world. Tavolini and Hirst represent both sides of the same coin. Tavolini created the exact same animals Hirst used, but not as fake versions but as examples that highlight the differences between two realities shown not only in the quality of the materials involved, the scales or complexity of the plastic elements used in those pieces. The main contrast lays in the relation between the working conditions and commercial circulation and approach to both works; the eternal conflict of the “first and third world production”. Publicity, location, access and reception of art by the public in general, but from the critics and art dealers in particular whose valuation is aesthetical as well as economical, and decisive to turn them, or not, into wonders.

Maria Carolina Baulo

Germina Campos, Espacio Nómade de Gestión Cultural, Santa Fé- Argentina, March 2007.

http://www.germinacampos.com.ar/

Shark

Puppet, wood and crystal urn, formol, wooden base 65cm x 110cm x 30cm, 2006. (Property of the MACRO Collection - Museo de Arte Contemporáneo de Rosario)

Sheep
Puppet, wood and crystal urn, formol, wooden base 30cm x 106cm x 30cm, 2006
(Property of the MACRO Collection - Museo de Arte Contemporáneo de Rosario)

Alejandro Contreras Moiraghi

2007-08-18T12:56:00.000-03:00

“Vamos, Vamos que Entramos”

Una frase que estamos acostumbrados a escuchar, no solamente en nuestro país sino en la sociedad latina en general. Quizás sea por empatía que recurrimos a dichos tales como “donde comen dos, comen tres”, o quizás sea porque estamos habituados a amoldarnos a los imprevistos, dando por hecho que a todo “le buscamos la vuelta” para hacerlo caminar.
“Vamos, Vamos que Entramos” es el nuevo proyecto del artista plástico Alejandro Contreras Moiraghi; pequeñas prendas de vestir trabajadas con acrílicos y resina poliéster, dan una base consistente para que los objetos representados expresen todo su potencial estético en su mayor esplendor. Nuevamente los hombrecitos negros (frenéticamente risueños), tan característicos de la producción de Contreras Moiraghi, toman el protagonismo de las obras. Uno en mil, se multiplican para ocupar cada prenda como si fuera su continente obligado. Pero el continente es uno y ellos son varios. Esas prendas de vestir no son ropas convencionales sino verdaderos contenedores de los sujetos: son autos, patines, bicicletas, camas… Permanente contradicción entre el lugar que es propio y aquel que se debe ceder para compartir con el otro. Sin embargo, aquí la tensión y puja por el espacio individual, se ve mitigada por la fuerza solidaria que vincula a los personajes. Hay una intención de compartir un ámbito que se presenta originalmente de una forma y con un diseño determinado, pero que de ser necesario, se lo modifica para adaptarse a las necesidades de los individuos. Entonces en el auto viajan el doble de pasajeros, en la cama se retraen las piernas y chocan las espaldas, en los patines se practica la sincronía para lograr el fin común: ir para el mismo lado. Estas prendas “multitudinarias” combinan la imperante necesidad de espacios grandes ante la presencia asfixiante del otro, junto con la inherente predisposición latina que invita a no “dejar en banda” y a reorganizar los recursos con los que se cuenta para sacar veinte porciones de una torta de diez tajadas. La solidaria frase “Vamos, Vamos que Entramos”, representada casi de modo caricaturesco, habla de pueblos que aprendieron (muchas veces por la fuerza) a ceder lugar, agruparse, reinventarse, recrear sus espacios y aun así, mantenerse dignos y con identidad propia. Porque el lugar que uno ocupa, aunque se vaya, no puede ocuparlo otro; en todo caso ese espacio que se abandona ya no es propio…el espacio de uno, va donde uno esté. Y entonces, cuando se entiende esto, se le pierde el temor a hacerse a un lado.
Total, entramos todos.
Maria Carolina Baulo

Atando Cabos

2007-08-18T12:38:00.000-03:00

María Rosa Andreotti - Atando Cabos

Cuando uno piensa en una trama, casi automáticamente piensa en aquello que está de alguna manera relacionado, entretejido; palabras que nos remiten a unidades, a un todo armónico sin perder por ello la importancia de los factores individuales. Es que sin las individualidades y su peso como tales, sin los hilos que tejen esas tramas y que parecen perderse en semejantes texturas, ese todo armónico no existiría. Una situación análoga se da en el entramado social, en la vida: basta tensar uno de los extremos para que se violente la trama y nos enfrentemos con posibilidades desconocidas y posiblemente incontrolables. Cuando los hilos que se entrelazan para formar una obra (o una sociedad) son manipulados, indefectiblemente se forma o bien una estructura que cobija con calidez, o bien puede convertirse en una telaraña confusa que nos precipita al desconcierto.
Esto es algo que Maria Rosa Andreotti comprendió muy bien todo su vida. Desde chica, la artista oriunda de La Pampa, descubrió el maravilloso mundo habitado por bordadores, tejedores y sastres; mundo que albergaba cantidades de objetos que ella misma fue seleccionando y apropiándose de aquellos que la cautivaban para formar una colección absolutamente personal y auto referencial. Objetos variados y telas que en primera instancia no eran más que trapos o retazos desechados por fallas. Jerseys, lycras, tricots, pasaron a ser sus aliados a la hora de expresarse como artista y como persona (si es que tal diferenciación existe). Objetos y materiales de alma noble, sencillos, pero con la particularidad de conservar la esencia y la memoria de aquello que ya había sido olvidado y se nos presentaba como una ausencia.
Maria Rosa trabajó a contrapelo, “des-tramando” aquellas construcciones de sentido para comenzar un viaje de exploración a través de la historia que escondían esos hilos. Realizó entonces un camino retrospectivo que la comunicaría con aquel relato primigenio que sustentaba, desde lo oculto, todo lo visible.
La problemática de la memoria es central en la producción de la artista. Conservar, buscar, reconstruir, recuperar, recordar. Un kit de palabras intensas que se relacionan con el pasado pero hacen eco en un presente al que ella le hace honor. Los objetos así como los hilos, verdaderas arterias y vasos comunicantes, son cruciales desde lo formal y desde lo social. En esa búsqueda constante, en esa comunicación permanente con las huellas que dejaron las ausencias, los objetos juegan como testigos y representantes materiales. La artista se vale de ellos para expresarse y no se limita a la hora de explorar con materiales variados. Experimenta con los dibujos, la pintura, las instalaciones, se nutre de la literatura, el cine y va siempre acompañada de su fiel amiga, la cámara de fotos; cámara testigo de aquella búsqueda que María Rosa se puso como norte y permite que la guíe.
Sin embargo, la presencia de las fibras y la sensualidad de sus texturas combinada con los volúmenes, se llevan el rol principal en su escenario. Lo textil es su gran debilidad. Trabaja pensando en los cuerpos, las identidades, los espacios, la violencia. Temas que nos comprometen como a todos como personas. Los textiles la conmueven porque son socios de nuestros cuerpos: no solamente nos dan abrigo, nos acarician, nos contienen, sino que también se alteran y cambian tal como nosotros mismos; transmiten nuestros humores, se gastan, se estropean, los aprendemos a amar y otras veces aprendemos a dejarlos de lado. Pero aquello que más la moviliza, es que así como la cámara registra cual testigo, así como los objetos invocan y conservan el recuerdo, y así como los hilos unen o enredan, los cuerpos tal como los textiles, registran una memoria del uso: son un verdadero documento de identidad.
María Rosa se aleja de las imposiciones y deja que la obra se exprese en formas diversas. Puede partir de una idea preconcebida y terminar en puertos impensados (series “La Corporación”, “La receta”); puede explorar terrenos conceptuales (series “Centenario”, “Deslustre de la platería del casamiento”, “Uno de treinta mil”); o simplemente dejar que sea la obra la que marque el camino (serie “Destramados”). Dialéctica pura entre la artista, la obra y el espectador; un espectador que no queda nunca de lado sino que es invitado a participar y reflexionar.
Las obras de María Rosa Andreotti tienen todas un génesis distinto, aun así, pueden convivir y relacionarse. La artista nos plantea, y se plantea a cada paso, abrir espacios, acercar las diferencias, unir, vincular, aunque para ello muchas veces sea necesario desarticular, desarmar, descomponer, para descubrir la matriz que da el fundamento a su existencia. Y una vez allí, una vez que se conoce la raíz (por cruel que sea la forma en que se nos presente), únicamente desde ese lugar de plena conciencia de identidad, pertenencia y responsabilidad frente a nuestra realidad, es que se puede empezar a asociar, remendar, comunicar, entretejer y atar los cabos.
María Carolina Baulo

Una invitacion a soñar

2007-04-07T23:52:00.000-03:00

María Elisa Luna: Una Invitación a Soñar“

El arte es artificial y no es natural en absoluto. Crear una obra de arte no significa que uno esté imitando la naturaleza, sino más bien que uno se encuentra al mismo nivel que ella e incluso la sobrepasa utilizando medios que, de todos los seres vivientes, sólo son accesibles para el hombre”

Víctor Vasarely

Hay quienes sienten, ya desde niños, una pulsión que los guía a crear casi instintivamente. Se encuentran pintando o esculpiendo desde que tienen noción de ser y no podrían dar cuenta de su vida, menos de su historia, sin un lienzo delante que les plantee el maravilloso desafío de enfrentarse a lo desconocido. Maria Elisa Luna pertenece a otro grupo; forma parte de aquellos que un buen día comienzan a percibir el despertar del cosquilleo creativo que empieza a ocupar cada día más espacio dentro de sus prioridades, hasta lograr imponerse como un imperativo categórico al cual no puede más que obedecerle.Sin embargo, Maria Elisa nunca estuvo lejos de la artista que es hoy. Comenzando sus estudios en el campo del diseño de indumentaria, pasando por el diseño textil y finalmente anclando su búsqueda en las clases de pintura de la Escuela de Bellas Artes Priliano Pueyrredón, María Elisa dejó que sea su arte quien la guíe. Y fue de la mano del arte geométrico, conceptual, del Op art, de la impronta que dejaron en su formación artistas como el holandés Maurits Cornelis Escher, el argentino Pablo Siquier, permanente referente e inspiración en su producción, y muy particularmente, el húngaro Víctor Vasarely, emblema si los hay cuando se quiere definir la intensidad del juego óptico combinado con la mirada del espectador ávido por participar de una seductora danza con el artista a través de su obra.La pulsión artística no se puede falsear, se siente o no; aun cuando toma muchos años en aflorar la necesidad de plasmarla en obras concretas, hay huellas que se van dejando en el camino de la vida que denuncian una superestructura creativa, aun a pesar de las propias intenciones del artista. El arte logra filtrarse entre los baches que dejan los prejuicios (externos e internos), y una vez que “ganó la calle”, es inútil intentar detener su marcha hacia la libertad.Libertad; una palabra que va perfectamente con la búsqueda de Maria Elisa Luna, por eso no hay bandera estética que la apadrine sino maestros que la instruyen y la inspiran sin condicionarla. Maria Elisa deja que su sensibilidad le marque los límites; ella no los busca ni los determina. Combina lo textil con lo simbólico, lo abstracto con una aparente figuración que tan pronto como creemos descifrarla, nos desafía a afilar la mirada hasta percibir fácilmente que es otro de los juegos mentales que la abstracción nos plantea para incentivarnos a fantasear. Cuando la obra cobra forma y se desprende de su creador, pasa a ser una entidad en sí misma que lo trasciende y que nos invita a contemplarla y consumirla desde la sensibilidad. Obras como las de María Elisa, pensadas como un diálogo donde la intensidad y planimetría cromática nos tienden una red tramposa que captura nuestra mirada y nos hace participar de la construcción de sentido, son obras que, tal las reflexiones de Vasarely, toman provecho de aquellos medios de los cuales solo el hombre puede disponer, para crear un artificio fantástico que nos permite soñar.Humilde y de paso firme, María Elisa se siente hoy por hoy empezando su camino como artista plástica. Con producciones recientes donde los protagonistas son los diseños monocromáticos (serie BYN), o un variado despliegue de colores (serie Croma), la artista va trazando el rumbo que intenta abrirse en el campo del arte: combina y genera interesantes contrastes hipnóticos de color, entrelaza las formas sin por ello hacerles perder a cada una su identidad dentro del todo; identidad que hace de cada figura y cada tono, los portadores de una presencia única e irrepetible. La tensión, la metáfora, el ensueño, lo ilimitado asociado indefectiblemente a un constante fluir de pensamientos, formas, ritmos que estimulan el campo perceptivo del espectador, obligándolo a pensar frente a la obra. Obra que no se encuentra cargada de un sentido previo más que la intensión del artista de invitarnos a movernos con total libertad en un terreno que acepta y promueve la multiplicidad interpretativa.Las construcciones creadas por Maria Elisa Luna se adaptan a las representaciones que queremos ver en ellas y nos cuentan las historias que estamos dispuestos a escuchar. Nos satisfacen porque toman la forma que le imprime el molde de quien los mira…y cuán gratificante puede ser ver lo que uno desea!

María Carolina Baulo